EXITO A CUALQUIER PRECIO by KAFCAR

"Glengarry Glen Ross: Éxito a cualquier precio"

Año: 1992
Género: Drama
País: Estados Unidos
Formato: Color
Duración: 100 minutos
Título Original: Glengarry Glen Ross
Dirección: James Foley
Producción: Jerry Tokofsky / Stanley R. Zupnik
Guión: David Mamet
Fotografía: Juan Ruiz Anchía
Música: James Newton Howard

Intérpretes:
Jack Lemmon (Shelley Levine)
Al Pacino (Richard 'Ricky' Roma)
Ed Harris (Dave Moss)
Alan Arkin (George Aaronow)
Jonathan Pryce (James Lingk)
Kevin Spacey (John Williamson)
Alec Baldwin (Blake)

Les presento Glengarry Glen Ross, una película que vi siendo muy joven (ruego no hagan cuentas), a la que la publicidad y la fama no le hicieron suficiente justicia. Ignoro los motivos, pues el reparto es inmejorable- (nótese que he escogido cuidadosamente esta palabra), la dirección, impecable, y el guion, firmado por el ex-gurú del gafapastismo David Mamet, y basado en una obra de teatro de cosecha propia, está construido a partir de diálogos brillantes y escenas memorables.

Mi única hipótesis es que, al tratarse de una historia pequeña, ni el estudio, ni la distribución apostaron por ella, y el boca-oreja no funcionó por ser una película que al finalizar dejaba más preguntas que respuestas y, en cierto modo, obligaba al espectador a completar la experiencia, fuera de la sala, mediante debate o su propia reflexión.

Pero vayamos a lo que si funcionó:

Se trata de un retrato del mundo de las ventas que no oculta sus orígenes teatrales: poco más de cinco escenarios, ocho personajes y un único tema a partir del cual se van construyendo los personajes, dejando la trama en algo accesorio o meramente funcional: el éxito; y por contraposición, el fracaso.

El fracaso impregna en todo momento el ambiente de la película, magníficamente recreado por la fotografía de Juan Ruiz Anchía y unos escenarios siempre cerrados, oscuros, gastados, en que todo elemento huele a fracaso y describe un trasfondo intimista, melancólico y crepuscular, habitado por perdedores.

Desde la primera escena (significativas llamadas telefónicas simultaneas de Lemmon y Harris), y a cuentagotas, se nos van mostrando los perfiles de cada uno de los personajes entre los que se cuentan un Lemmon, vendedor de la vieja escuela que languidece, Harris, outsider siempre en negativo, atribuyendo a los demás sus propias carencias (no nos dan buenas fichas ni apoyo; así es imposible vender!), Arkin, gregario y pusilánime, Spacey, el mediocre director de la oficina, burócrata sin autoridad, y Pacino, supuesto triunfador al que, en el fondo, lo único que le diferencia de los demás es su cifra de ventas.

Enseguida se va desarrollando una sutilísima reflexión sobre el reparto de poder que otorga el éxito, que curiosamente tiene su punto álgido al principio de la acción, en los, quizás, cinco minutos más memorables del metraje. Se da con la aparición del pez gordo interpretado por Baldwin, estelar en la mejor interpretación de su carrera. Cinco minutos de intenso monologo, salpicado con interacciones con Lemmon, Harris y Arkin, que, con un discurso intimidatorio y maniqueísta (pero no por ello menos valido), establece las diferencias entre éxito y fracaso, entre el palo y la zanahoria, entre vender y ser prescindible. Quedan de ese discurso no menos de una docena de frases para el recuerdo (recomiendo seguirla con un lápiz y un bloc), entre las que destaco la que mejor resume el speech de Baldwin: “Y usted deje ese café donde estaba. El café es solo para los que venden.” No deben perderse, tampoco, el detalle del coche que aparece aparcado en la calle la primera vez que Lemmon se dispone a entrar en las oficinas.

Finalizada la escena de Baldwin, vemos como lo que él ha puesto de relevancia de modo altisonante, es el día a día en las relaciones entre los vendedores y entre ellos y su jefe. Si vendes eres dios; Si no vendes, nadie. Lo que es explicito en el discurso de Blake, y que todos cuestionan (cuando Blake se ha ido), subyace implícito en su comportamiento cotidiano: Roma, el líder en la pizarra, actúa como si tuviera patente de corso, incluso con el policía. Levine, pasa del conformismo inicial a mendigar a Williamson, para, después de conseguir una buena cifra, mostrarse desafiante y displicente con él, y en la escena final, suplicante, y, ya sin ventas, derrotado y carente de toda fuerza. Williamson, que no vende, es tratado por todos como un mal innecesario, como un obstáculo en su desempeño, un títere en el que descargar su frustración, un cero a la izquierda a quien pisar. En un mundo donde las ventas dan poder, ni la jerarquía ni la capacidad de impartir normativas dan a ese personaje el menor crédito a ojos de los demás. Su incapacidad hace el resto, situándole como el ultimo en el escalafón. Destacar la bien llevada (por un magnifico Spacey) hijoputez de éste personaje, que aprovecha cualquier situación que le confiera un poder exógeno para devolver a los demás, en momentos de debilidad, las humillaciones que recibe (fíjense como se pone detrás de Blake durante el discurso o cómo le explica a Levine porqué no va a sacarle las castañas del fuego al final de la película). Siempre el fuerte maltrata al débil.

Para terminar, algunas de las escenas cumbres de la cinta:

-La última mirada de Levine a Roma. Su conversación anterior, sobre la raza en extinción que son los vendedores, hace que cuando se ve reencarnado en Roma, que ésta al teléfono, vendiendo, se dé cuenta de que está acabado; entonces, desiste y entra al despacho. Esa mirada es una vida que se extingue. Genial Lemmon.

-Aaronow a Roma: “¿Han cogido ya al tío que ha robado en la oficina?” Roma: “ –No… No lo sé”: ¿Realmente Roma no lo sabe? ¿No es la última llamada un intento de evitar trabar conversación con el fracasado Levine, de manera similar a como Levine y él intentaban evitar que Pryce anulara la venta? ¿Lo sabe Levine, teniendo su última mirada otro significado?

- Jonathan Pryce excusándose a Roma: Nuevamente, la relación de poder que otorga el éxito: Roma, aparente triunfador, es descubierto engañando al personaje looser de Pryce. Este, totalmente carente de poder, pues está supeditado a las decisiones de su mujer, lejos de cabrearse, pide disculpas a Roma por no haberse dejado estafar. “por favor, no me sigas” es su ultima y significativa frase.

-Moss y Aaronow planeando el robo: Chispeante dialogo. ¿Tarantiniano? No sería el único. Observar ciertas similitudes con Reservoir dogs, lanzada el mismo año, durante toda la película.

Y para los melómanos: efectiva banda sonora con buen jazz. ¿Stan Getz en los créditos iniciales? Por favor, confirmar.

AMADEUS by MJ

FICHA TÉCNICA

Director: Milos Forman

Guión: Peter Shaffer

Estreno: 1984

Género: Drama

Interpretación: F. Murray Abraham (Antonio Salieri), Tom Hulce (Wolfgang Amadeus Mozart), Elizabeth Berridge (Constanze Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Roy Dotrice (Leopold Mozart), Christine Ebersole (Caterina Cavalieri), Jeffrey Jones (Emperador José II), Charles Kay (Conde Orsini-Rosenberg), Kenneth McMillan (Michael Schlumberg).
Premios: 8 Oscars, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor principal.

Por culpa de “Amadeus”, me pasé muchos meses tatareando el Réquiem de Mozart. “Dies irae, diiiiies irae...” cantaba yendo al colegio (porque por entonces, yo era muy joven). “Confutaaaatis malediiictis, flammis acribus addictis...” berreaba mientras limpiaba los platos. Tan impresionada estaba que hasta la primera dirección de e-mail que tuve se la dediqué a tan magna obra: KV626 (el código de clasificación del Réquiem) más una M (por Mozart, claro), en Hotmail. Sí, ya de adolescente era bastante repelente, yo.

“Amadeus” era una visión muy irreverente a la vida de un genio: se nos presentaba a Mozart como un jovenzuelo inmaduro, egoísta y alocado. Yo creo que, en el fondo, todos estábamos con el otro personaje principal: el pobre envidioso de Salieri, el músico mediocre pero dedicado que ve llegar a la corte a un niñato genial que no es consciente en absoluto de que los demás sudan mares por conseguir un ápice de lo que a él le sale de manera totalmente espontánea. En una de las escenas iniciales, Mozart llega a la corte austriaca y Salieri toca al clavicordio una cancioncilla que ha compuesto para darle la bienvenida. Mozart suelta algo así como “no está mal, pero se puede mejorar”, se sienta ante el instrumento e improvisa una pieza basada en la canción de Salieri, pero mejorada unas cien veces. La cara que pone el pobre mediocre, mezcla de admiración y pura envidia, es un poema...

Ya de por sí, el retrato de Salieri (un ser a veces detestable, pero muy humano) me haría darle a esta película un sobresaliente. Pero es que había mucho más: la risa loca que le pusieron a Mozart (y que traté de imitar, pero creo que nunca me salió), el vestuario (¡ah, me encantan las películas de época!), y la descripción del proceso creativo tras algunas de las óperas de Mozart. Y qué decir del trágico tramo final de la película, cuando un Mozart muy enfermo recibe el encargo de escribir un réquiem y acaba creyendo que lo está componiendo para sí mismo…

Aquella dirección de hotmail no funciona desde hace mucho y han pasado años desde que vi “Amadeus” por última vez. Pero sigo recordando la película casi al detalle... y el Réquiem aun me pone la piel de gallina.

WILD AT HEART by Lula

This whole world's wild at heart and weird on top.......

Ficha técnica

Director : David Lynch

Guión : Barry Gifford / David Lynch

Estreno : USA – 17 de agosto de 1990 / España – Octubre 1990 Festival de Cine de Sitges

Reconocimientos :

Diane Ladd – Nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto (1991)

Nominada a la Mejor Banda Sonora de los premios BAFTA (1991)

Palma de Oro para David Lynch en Cannes (1990)

Nominada a la Mejor Película en Fantasporto (1991)

Diane Ladd – Nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto (1991)

Premio a la Mejor Fotografía en el Independent Spirit Awards (1991)

Willem Dafoe – Nominado al mejor actor de reparto en el Independent Spirit

Awards (1991)

Reparto :

Sailor Ripley Nicolas Cage

Lula Fortune Laura Dern

Bobby Peru Willem Dafoe

Marietta Fortune Diane Ladd

Johnnie Farragut Harry Dean Stanton

Perdita Durango Isabella Rossellini

Juana Durango Grace Zabriskie

Marcelles Santos J.E. Freeman

Cousin Dell Crispin Glober

Reggie Calvin Lockhart

Banda Sonora :

1. Im Abendrot ( Excerpt) - Gewandhausorchester Leizpig

2. Slaughterhouse - Power Mad

3. Cool Cat Walk - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

4. Love Me - Nicolas Cage

5. Baby Please Don't Go - Them

6. Up In Flames - Koko

7. Wicked Game - Chris Isaak

8. Be- Bop A Lula - Gene Vincent And The Blue Caps

9. Smoke Rings - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

10. Perdita - Rubber City

11. Blue Spanish Sky - Chris Isaak

12. Dark Spanish Symphony Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

13. Dark Spanish Symphony (50's Version) - Rubber City

14. Dark Lolita - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

15. Love Me Tender - Nicolas Cage

TRAILER

Seguramente no es la obra maestra del maestro Lynch y seguramente los maravillosos actores que aparecen en ella han hecho mejores interpretaciones, sin duda muchos de vosotros ni siquiera habréis oído hablar de ella, algunos la detestareis, pero tengo la esperanza de que a alguien le haya gustado.

Este post podría ser una excusa para hablar de Lynch, al que idolatro desde... bueno, desde siempre creo. Pero tengo claro ya tenéis una idea respecto de él y su obra y lo que yo pueda decir resultaría innecesario y obviable.

La primera película que me atrajo de Lynch fue The Elephant Man aunque no entendiera nada y me acabase dando yu-yu, estrenaron Eraeserhead y tendréis que creerme si os digo que era demasiado pequeña para enterarme... supongo que con Los Rescatadores tenía bastante, tampoco me perdí Blue Velvet, cruda y lírica a la vez, pero desde luego Wild at Heart es una de las películas de mi vida. Tal vez La Película.

Es la película que más veces he visto, en el cine, (los dvd’s no cuentan) en v.o., doblada, en sesión de tarde, de noche y golfa, acompañada, en grupo y sola.

Y no me cansaría de visionarla una y otra vez, de perderme en ese mundo irreal (o hiperrealista) en el que Sailor y Lula recorren el camino de baldosas doradas en busca de un lugar donde ser felices.

Todas y cada una de las escenas son destacables y es difícil señalar una por encima de otra : la salida de la cárcel de Sailor, la madre de Lula, el accidente de coche, la visita de Bobby Peru, la galeria de secundarios bizarros que nunca puede faltar, la mirada turbia de Perdita en medio del desierto, la cerilla que se enciende una y otra vez, los excelentes diálogos, la chaqueta de piel de serpiente, la música, el hada buena…

Dando un giro de tuerca a la novela de Barry Gifford para encajarla en su sobrecogedor imaginario, Lynch crea una de sus obras más románticas y tiernas, un love-story con final feliz, sin traicionarse a si mismo.

Así es como yo la entiendo.

Pero también podría catalogarse de road-movie, con sexo explícito y violencia gratuita. En España se le colgó el cartelito de ‘mayores de 18’, en EUA directamente se cortaron escenas.

En fin, para aquellos que a veces preguntaban, ahora ya sabeis quien es Lula.

NOTA DE LA JUNTA

Si quereis incluir fotos en el post no las añadais en el texto que enviais. Enviadlas aparte e indicad en que lugar del texto deben ir. Si no no se podran incluir.

EL DIA DE LA MARMOTA (Atrapado en el tiempo) by Patty

“Groundhog Day”

Título en Europa : “Atrapado en el tiempo”

Título en Latinoamérica: "El día de la marmota".

AÑO: 1992

GUIÓN: Danny Rubin & Harold Ramis (Historia: Danny Rubin)

REPARTO: Bill Murray, Andie MacDowell, entre otros..

GENERO: Comedia romantica????

Ya dispuesta a escribir algo de esta película y preguntando al tío google sobre sus generalidades, lo primero que encontré es que estaba catalogada como “comedia romántica”, género habitualmente emparentado a productos de marcado carácter tontorrón o supérfluo, woooow realmente soy despistada (¿ó no?), yo nunca la hubiera clasificado así.

No crean que todo lo aquí expuesto es producto de mi cerebrito, en parte sí pero no todo, pero mi objetivo es que después de leerme les den deseos de verla (si es que no lo han hecho ya).

RESUMIENDO

Phil Connors (Bill Murray), hombre del tiempo de una cadena de televisión, es enviado un año más a Punxstawnwey, a cubrir la información del festival de El día de la marmota(*). En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, al levantarse, Phil escucha en el radiodespertador el mismo programa que la mañana anterior, ¡oh,sorpresa!, al día siguiente vuelve a ser 2 de febrero… Al principio todo parece una coincidencia, todo se repite exactamente igual. Asustado y confuso Connors pretende regresar a la gran ciudad cuanto antes, pero la tormenta de nieve se lo impide (obviamente, ya le había pasado). Y aunque piensa que todo es un mal sueño, sus peores pronósticos se hacen realidad al despertar y ver que es 2 de febrero, otra vez. Y lo peor de todo es que sólo él recuerda que ha vivido ya ese día, el resto del mundo no es consciente de que se está repitiendo un bucle continuamente.

En resumen de eso se trata, del bucle infinito en el que un hombre común y corriente se ve atrapado, es ahí donde empieza lo interesante y lo que la hace una de las mejores películas de los 90´s. (en mi opinión claro está).

Despedazemos al personaje central de la historia…

Phil Connors (Bill Murray) es un tipo egocéntrico, narcisista, petulante y superficial, uno de esos tipos que van por ahí creyendo que el mundo gira entorno a ellos, y que sólo para cuando a ellos les parece mejor.

En el transcurso de la película la transformación del personaje resulta, por momentos, demasiado sutil, en ella se percibe con meridiana claridad los consabidos cinco estadios de incertidumbre por los que pasaría cualquier individuo racional, a saber: negación, enfado, negociación, depresión y aceptación.

En los tres primeros vemos a un Phil tan lleno de odio y frustración consigo mismo que siempre termina recurriendo al ataque cínico para defenderse de los demás, incluida la mujer con la quiere practicar un sexo meramente egoísta y de salvación (MacDowell). A la vista de sus continuos fracasos con Rita (Simpática y sincera actuación de la fantástica MacDowell que, además de empapar la pantalla con su belleza, lo hace con su pasmosa naturalidad), Phil va acumulando un melancólico resentimiento que “estallará” en la fase depresiva y de suicidio. Aquí el Phil que hasta ahora habíamos visto en pantalla se disuelve gracias a un doloroso —y largo— viaje emocional que le obliga a enfrentarse consigo mismo.

Más adelante, en la memorable secuencia de la cafetería, donde un sosegado Phil le relata a Rita los pormenores de su tragedia existencial, puede advertirse cómo éste se ha despojado, por fin, de todos los artificios sociales que lo carcomían (estadio de aceptación). Phil ha logrado reconstruirse desde su fragilidad y se ha vuelto hermoso porque ya no huye de sí mismo. Es transparente. Es agua. Ya está listo para afrontar el mañana.

En último lugar, y a parte de destacar el montón de enormes gags que contiene, así como la originalidad para llevar a termino ciertos instantes de lo más humorísticos, también cabe resaltar ese loable intento de no vulgarizar ni ridiculizar el curso de la vida (el momento del vagabundo es un contundente y rotundo acierto, brillante), amen de la portentosa interpretación de un Bill Murray en un arranque de genialidad.

Como podrá apreciarse, "Groundhog Day" no oculta en ningún momento su carga moralista; sin embargo, la diferencia respecto a otros productos norteamericanos radica en que aquí el contenido ético no se encuentra ligado a un sistema bíblico-teológico, sino kantiano. De este modo, el último Phil no termina siendo un buen samaritano para contentar a un hipotético Dios, sino porque su propia razón como sujeto reconstruido así se lo exige.

CONCLUSIONES

Si, como Phil, tuviéramos la oportunidad de vivir el mismo día infinidad de veces, ¿cómo afrontaríamos la situación, sabiendo que una y otra vez nos despertaríamos en el mismo día, en el mismo lugar, con la misma gente y los mismos sucesos y acontecimientos repetidos continuamente? ¿Si supiéramos que eternamente vamos a vivir ese día? ¿Qué haríamos?
Lo que más me ha fascinado ha sido el hecho de que se muestra una gran verdad acerca del ser humano: que es el único ser vivo que tropieza dos veces con la misma piedra. Y no sólo dos veces, y tres veces, y montones de veces antes de comprender el verdadero significado de la existencia, de todos esos pequeños detalles que marcan la diferencia entre una vida mediocre, superficial y vana, y una vida plena, honesta y feliz.

En definitiva, hermosa, bellísima, magnífica, brillante, preciosa, dulce, lúcida, intensa, mágica, graciosa y un montón de adjetivos que me dejo, en el fondo, y que no harían más que seguir señalando lo que ya he dicho hasta ahora.

REFERENCIAS DEL DIRECTOR (Harold Ramis)

La película de Ramis es rebosante de referencias para todos los gustos:

- Eticas (la evolución desde el egoísmo más recalcitrante al altruismo más loable)

- Metafísicas (el dúo inmortalidad - eternidad)

- Literarias (¿Quién no rememora al Mr. Scrooge de “Cuento de Navidad” de Charles Dickens en la figura de Phil)

- Cinéfilas ( Bill Murray reencarnando una singular versión de James Stewart en “¡ Qué bello es vivir !” )

- Mitológicas (el castigo de Sísifo).

(*)¿En que consiste el día de la marmota? Tirando de WikiPedia veremos que dicha fiesta consiste en:

La más famosa se celebra en el pueblo de Punxsutawney, sito en el Estado de Pennsylvania; una pequeña población en la que cada 2 de febrero se intenta predecir la duración del invierno por el comportamiento de una marmota,

EL GRAN LEBOWSKI by Joan CG

Hay películas cuyo inicio ya me atrapa y El Gran Lebowski es una de ellas.

EL GRAN LEBOWSKI (Inicio)

Bueno, pues para ese uno por mil que todavía no ha visto esta peli de los Coen, hecha en el 98, o que si la ha visto ni la recuerda (¡pecadores!), eso va de una triller-comedia, por decir algo (porque no es fácilmente clasificable), en la que tres desubicados de la vida cumplen ese triste papel que mi madre definía como “són al mòn perquè hi hagi de tot”.

Todo y que yo exijo que una película sea por encima de todo una buena historia bien contada, la verdad es que el argumento se aguanta con hilos y es solo una excusa para ir escupiendo imágenes dibujando extraordinariamente, con delicadeza y humor, un clima y unos personajes entrañables.

Ese gueto social de la bolera……..

Esos frikis felices (o quizá no tanto) pasando las horas tumbando bolos y sobando sus bolas….

Ese Los Angeles cálido y mastodóntico en el que puede pasar de todo….

Ese encontronazo entre el mundo del dinero, las trampas, la violencia y la sofisticación con el mundo de tres zumbados sin más intereses que el puro vegetar……….

Esos tripi-sueños………

- Jeff Bridges: El Nota, anclado en cuerpo y alma a los 60, veterano activista, vago, bebedor compulsivo de ruso blanco, ritualista del porrete en la bañera (con velitas) y del tripi ocasional, que se ha puesto el mundo por bolera y vive y deja vivir pero, eso sí, capaz de enfrentarse a todo y a todos por recuperar su bien más preciado: su alfombra (simplemente “porque daba ambiente a la habitación”).

- John Goodman: Walter, un hombre de orden (el suyo), primario y sometido intelectualmente a El Nota, sin otra agarradera al mito y a lo trascendente que el barro en la guerra de Vietnam y el haber estado casado algún día con una hija del pueblo de Israel.

- Steve Buscemi: Donny, callado, gregario y feliz de ser un infelizote que no molesta a nadie.

- John Turturro: ¡Jesús!, el latino/chulo/pederasta/macarra, en un par de escenas de las más delirantes que en cine yo haya visto. Increíble que un tipo de Broklyn como Turturro sea capaz de meterse en los zapatos de Jesús con aquella naturalidad…..

- El regordete vecino del Nota, un casero en pantalón corto, zapatos y calcetines, amante del ballet contemporáneo.

- Y los “nihilistas “: mamporreros y chapuceros alemanes, con castor cometrancas; uno de ellos Flea, de “Red Hot Chili Peppers”.

- Y un genial Ben Gazzara en su papelito de filósofo de la pornografía y del “desatascador”.

Y muchos más, oigan, como en la tómbola.

Todos ellos personajes entrañablemente próximos, inocentes y cotidianos, como los croissants o el tortellet con nata al salir los domingos del vermouth de las doce, campando por una historia con poca historia, pero haciéndose querer.

En fin, que ustedes la vean y pasen un buen ratito con esta peli ligera y espumosa, cometiendo la grosería de reír, que de eso se trata

LA SIRENITA, by SUBCOMANDANTE ANTONIO

(Contiene spoilers sobre pelis porno)

Cineblog de Palacete da hoy una vuelta de tuerca (tour of the tuerk, en inglés) y tratará no sólo un filme en particular si no un género en general:

EL PORNO.

Oh, el porno.

Decía el otro día Raimon, haciéndose voluntario merecedor de la colleja más sonora jamás dada: "vista una, vistas todas”.

Y una mierda.

Nunca dio para tanto un bucle tan definido como: uno, limpieza de sable; dos, amorramienta al pilón; tres, trufada de pavo; cuatro, ensanchamiento y rotura de maletero; y cinco, lechazo in the face (nótese así mismo la contribución del género al Thierry Henryquecimiento del léxico castellano).

Pongo en ON el modo Subcomandante cebolleta y les cuento que, a la temprana edad de diez o doce años, mi vecino (de mi misma edad, ojo) vino un día a mi casa contándome que se había hecho con una cinta vhs muy sospechosa de la habitación de su hermano.

Poco imaginaba yo poraquelentònses que el título de aquella cinta iba a quedar tatuado para siempre en mi memoria:

Dos mujeres y un marido.

El plan trazado fue de lo más urdido y concienzudo (nótese la nula originalidad del autor a la hora de adjetivar "plan")

Aprovecharíamos una ausencia de sus padres para verla.

Llegado el momento, lo que vi aquel día fue una de las experiencias más paranormales de mi vida: ¿realmente ESO podía hacerse? ¿Por qué aquel tío la tenía como mi brazo? Y, lo más grave, ¿por qué yo la tenía como su meñique?

A fuerza de visionados y desgaste de cabezales, una realidad algo distorsionada se fue forjando en mi mente:

a) bastaba con guiñarle el ojo a una chica para follársela y

b) los preliminares son milongas de la COPE.

Pajote aquí, pajote allá, el tiempo fue pasando, hasta que una nueva puerta se abrió ante mi generación para facilitarnos enormemente la vida y evitar riesgos innecesarios:

Internet.

A servidor le pilló en su apogeo pajerístico: los dieciséis. Recuerdo como, con mi modem 33600 y una conexión más lenta que un central negro del Barça, esperaba pacientemente a que se cargara la foto de un chochamen en primer plano, talega en ristre. Luego llegarían las primeras pelis en CD, que aceleraron enormemente cualquier proceso oNaNístico.

Por otro lado, la educación sexual en las escuelas debería palidecer de vergüenza al compararse con las virtudes pedagógicas del porno. Yo, como todos, no pensaba precisamente en "introducir pene y glande en vagina y fecundar óvulo " con la novieta de turno.

Tres meses de gilipolleo y algún "te quiero" más tarde, llegaría el gran día, aquel en que pondría en práctica las enseñanzas de tantas y tantas pornacas y pondría a Lucía mirando a Cuenca.

El plan era facilísimo, a priori: nos empezaríamos a besar en el sofá mi habitación (como en "Indiana Jones Y El Rabo Maldito"), me empujaría contra la cama (como en "Fue a por trabajo y le comieron lo de abajo"), me arrancaría los gallumbos a bocados (como en "El Conejo De La Bruja De Blair") y se amorraría al cimbrel mirándome a los ojos (como en "Si Yo No Soy Curro Jiménez, Qué Hago Con Este Trabuco")

Seguidamente, le haría una limpieza de bajos (como en "Soy puta y mi coño lo disfruta") para, momentos después, chachannn, empujármela (como en "Mujeres Al Borde De Un Ataque De Miembros"). Con un poco de suerte, habría sexo anal (como en "Arma Rectal") y finalmente, happy end (como en "El Cid Porculeador").

Lo que pasó realmente, en otro post.

En fin, que desde aquí agradezco tantos buenos ratos y mando un fuerte abrazo a toda la industria porno, y especialmente a Silvia Saint, culpable sin embargo de mi artritis crónica en la muñeca de mi mano de las pajas.

Y, a los chavalines que nos leen (haberlos háylos), decirles que no saben la suerte que tienen de poder ver porno incluso en sus Ipods, en la intimidad y cobijo de su habitación, lejos del riesgo contínuo que corríamos mi generación, con una oreja puesta en la pornaca y otra en la cerradura de la puerta de la calle, por si venían los papis.

Y eso sin contar el pavor que daba sólo imaginar que algún día la cinta podía quedarse enganchada en el vídeo. De hecho, ¿quién no tiene un amigo al que le haya pasado?

LA PRINCESA PROMETIDA by Dr.Be

(Creo que me va a salir un buen tocho).

La primera peli que se me vino a la cabeza cuando se inauguró el blog fue, no sé por qué, Star Wars II "El ataque de los clones". Pero enseguida deseché la idea, porque no valía la pena escribir sobre ella sólo para declararla como un infumable engendro, la peor peli de aventuras en la era de los efectos digitales, los diálogos más simples desde Barrio Sésamo.. .Preferí pensar en positivo, pero descarté mi peli preferida ("Casablanca") por obvia, y otra obra maestra, "La evasión" de Jaques Becker, por poco conocida.

De vuelta al cine de aventuras, enseguida vino a mí "La princesa prometida" excelente película, sobria y sin pretensiones, con un guión redondo en el que cabe todo - comedia, romance, aventura, fantasía, política... Basada en una no menos excelente novela de W. Goldman, la historia cuenta cómo Westley debe rescatar a su amada, prometida a un malvado príncipe sin escrúpulos que quiere utilizarla como excusa para comenzar una guerra con el país vecino. Para ello mezcla el cine de piratas con el de capa y espada, la fantasía, la brujería, y por supuesto el amor (sin llegar a ser nunca empalagosa, de eso se encarga el nieto enfermo al que su abuelo está explicando el cuento); y todo ello aliñado con un humor desenfadado y ligero muy adecuado al tono general de la película. Un tono muy clásico que es de agradecer, sin estridencias ni momentos efectistas, sin trampas, y con un ritmo que no decae nunca. (Hasta los interludios con las explicaciones del abuelo están bien puestos). Esgrima, lucha, torturas, veneno, gigantes, persecuciones, milagros, odio, amor verdadero... No está mal para una peli en la que el protagonista muere a los 10 minutos!!

La película sirvió para descubrir a una joven Robin Wright (a la postre Wright-Penn para suerte de su marido), que me funde con esa mirada traviesa cuando baja del caballo y le manda a Westley llevarlo al establo y cepillarlo (que no cepillársela a ella; eso vendrá luego). Cary Elwes, en cambio, ha hecho poquitas cosas destacadas después, aunque está perfecto en su papel de aventurero valiente y cínico al que la vida ha tratado mal. El resto del reparto también raya a un gran nivel, contenidos pero sin hacerte olvidar nunca que están en un cuento; excepto, como no, Billy Crystal, que incluso en un papel de curandero viejo y loco tiene que sobreactuar...

A destacar una correctísima banda sonora (cosa poco común en las pelis de aventuras en estos días aciagos para el género), compuesta por mi odiado Marc Knopfler, gran guitarrista y pésimo compositor de canciones pop, pero que se ha rehecho con hombría cuando de bandas sonoras se ha tratado. Dos momentos cumbres en ella: la lucha a espada entre Westley y Montoya (perfecta la sincronización de los movimientos de esgrima con la música); y la canción "Friend's song" cuando Fezzic y Montoya se hacen amigos rimando durante su singladura hacia los Acantilados de la Locura.

Todo ello da lugar a un precioso y entretenido cuento de hadas para los que creemos en ellas (recordad que cada vez que decís "las hadas no existen", una de ellas muere). Un cuento optimista para niños y no tan niños que, sin aburrir ni sermonear ans al contrari, enseña el valor de la amistad, del valor, de la perseverancia, del mens sana in corpore sano. Y es que el amor siempre vence.

la peli

la peli (extended)

el libro

HOY NO HAY NADA

Esta semana no hay película.

Así que os dejamos unos pocos enlaces para que disfruteis de grandes obras del 7º arte:

Top Secret - Zucker/Abrahams/Zucker

Raiders of the lost ark - Steven Spielberg

Tommy - Ken Rusell

El Halcón Maltés - John Houston

Apocalypse Now - F.Ford Coppola

Pues con ésto y un bizcocho hasta la semana que viene.

TERMINATOR 2 by Corser

Pues si amigos, no es ninguna visión, ni el efecto de ninguna sustancia psicotrópica ingerida, ni de llevar una taja considerable: por fin en este blog, una película en COLOR, de no más de 20 años de antigüedad y que sus actores / directores no estén jubilados o muertos: Terminator 2: Judgement Day. Un filme que marcó a los de mi generación y que supuso un antes y un después en lo que a efectos especiales se refiere. Ver salir al T-1000 de entre las llamas con su apariencia original de metal y recobrar el aspecto humano, surgir de una baldosa metamorfoseándose en el poli bigotudo o a Gobernator –quien nos lo iba a decir- disparando la majestuosa chailgun contra los coches de policía con el resultado final de 0 Bajas Humanas, entre otras cosas, me dejó alucinado a mis 11 tiernos años y que se ha convertido en un clásico a mis 26 y en la película que mas veces habré visto. Una obra maestra, a mi juicio, del género de acción y ciencia ficción. Al lío:

James Cameron afrontó en 1990 el desafío de hacer la secuela de "The Terminator", película que fue elogiada por prácticamente todos los sectores de la crítica e inmortalizada por el público como un clásico de la ciencia ficción; si bien es cierto que no tuvo un gran éxito de taquilla, si triunfó de manera palpable entre las masas en su edición posterior en cinta. El resultado fue "Terminator 2: Judgement Day", que tomó por asalto los cines de todo el mundo un año después, convirtiéndose, ahora sí, en un enorme éxito de taquilla. Con un presupuesto de aproximadamente 100 millones de dólares, esta película es más extensa que la primera, y cuenta con efectos especiales más complejos y verdaderamente asombrosos para la época.

La historia, que transcurre 10 años después de los acontecimientos de la primera parte, nos trae diversas sorpresas, entre las cuales la más destacada es el pase del personaje de Arnold Schwarzenegger (posiblemente en su mejor interpretación) al bando de los buenos, pese a que argumentalmente sigue la misma idea: Exterminador cibernético enviado desde el futuro, programado para eliminar a John Connor (hijo de Sarah Connor, fruto de la relación que mantuvieron su madre, y el soldado que el propio John manda desde ese futuro para protegerla del primer Terminator, en la primera entrega), el líder de la resistencia humana en un aterrador porvenir dominado por la máquinas, con Skynet (Un ordenador inteligente desarrollado por el Dr. Miles Bennett Dyson a partir de la tecnología futurista que le aportaron los restos de ese primer Terminator, el cual cobra conciencia de sí mismo) a la cabeza.

El papel del villano le toca esta vez a Robert Patrick, quien logra imprimirle a su personaje un aspecto auténticamente amenazador. Este nuevo Terminator (el T-1000) es más sofisticado que el ya conocido T-800, y posee capacidad para transformarse en otras personas. Tenemos entonces, por un lado, un exterminador más implacable y difícil de destruir (su cuerpo de metal líquido absorbe las balas y se recupera de sus marcas instantáneamente). En la otra esquina, el viejo modelo 101 de Cybernide Systems, que tendrá la ardua tarea de proteger a Connor de dicha amenaza.

En esta película, Cameron nos brinda ráfagas de acción sobrecogedora, suspense y drama, pero también encuentra lugar para algunos momentos cómicos. Esto y el hecho de que el personaje de Arnold aparezca más "humanizado" (gracias a las ‘enseñanzas’ que le proporciona Connor, haciendo célebres frases como ‘Volveré’, ‘Confi, tio’ o ‘No problemo’) permiten pensar que "Terminator 2" es, comparativamente, menos oscura que su predecesora. Sin embargo, logra transmitir de forma más palpable la inminencia del fin (el sueño apocalíptico de Sarah Connor es estremecedor) y nos hace reflexionar sobre la naturaleza humana y el valor de la vida.

Mención aparte merece la gran banda sonora, cuyo tema principal compusieron los grandísimos Guns’N’Roses, que se encontraban en la cima en aquella época.

En definitiva, un referente del género que me mantuvo pegado a la butaca durante las aproximadamente 2 horas que dura con la boca abierta, me emocionó con su final y que provocó que la venta de gafas de sol, chupas de cuero y motos chopper aumentara de forma considerable.

Sayonara, Baby!

THE COMMITMENTS by Àlex

¿Quién no ha querido formar parte de una banda de rock? Pues eso, unos pocos lo consiguen y otros simplemente aspiramos a ello.

Sobre este deseo se basa mi admiración por esta película de Alan parker. “The Commitments” es una de las mejores películas sobre música jamás hecha. En un barrio de los suburbios de Dublín, el joven Jimmy Rabbitte decide que montará una banda de soul. ¿Por qué soul? Pues porque como él mismo dice, el soul es la música de la clase trabajadora. Así que pone un anuncio y hace unos castings para buscar músicos. Tras reunir a una banda, se ponen en marcha para hacer una serie de conciertos que acabarán con la disolución de esta. Hasta aquí, es una película sobre un grupo como cualquier otra, pero lo que hace de esta una gran película, es como nos muestra las relaciones entre los componentes del grupo. Entre ellos destacan el cantante del grupo, Deco (sigh), un verdadero cabrón, mujeriego y feo pero que tiene una voz prodigiosa; el trompetista Joey, vieja gloria curtida en mil batallas que aparece enviado por el Señor para guiarles y el mismo Jimmy Rabbitte que les hace de representante, el trio de coristas a las que todos quieren repasarse y el colega agresivo que pasa a tocar la batería. Las relaciones entre ellos y su forma de vida son un fiel reflejo de la sociedad irlandesa de los 80. Esa realidad que Alan Parker retrata como nadie puede hacerlo.

Además la película respira un aire de camaradería, de ganas de triunfar en la vida, de luchar por lo que uno quiere conseguir, con ese regusto final amargo que te da la derrota. Pero esta derrota es lo que le da un toque romántico, los triunfadores están sobrevalorados.

Otro punto a destacar es la banda sonora. Clásicos del soul recuperados y versionados en directo por el grupo de actores, porque sí, los mismos actores eran los músicos que interpretan los temas de la película. De entre todos hay que destacar a Andrew Strong, Deco, el cantante, voz rota, negra, con una fuerza poco común en un blanco, sin duda el personaje más carismático de la película, porque aunque es detestable, no puedes dejar de admirar a ese cabronazo con la voz de oro. Los dos cd’s de la banda sonora seguramente habrán tenido mucho más éxito que la película, y son altamente recomendables.

Para finalizar, una frase, la frase de la película, que le dice Jimmy a la banda cuando estos le preguntan el por qué de hacer soul si es música de negros: “Los Irlandeses somos los negros de Europa; los Dublineses somos los negros de Irlanda; y los del Barrio Norte somos los negros de Dublín”

HALLOWEEN by Dr.Jota

Halloween, John Carpenter (1978)
El inicio de los 'slashers' en el cine

Michael Myers es el Mal Absoluto. Así, con mayúsculas. O al menos de este modo lo concibió su creador, el director y guionista John Carpenter, cuando ideó la trama de un perturbado que se escapa del manicomio durante la festividad de Halloween para regresar a su pueblo con el fin de degollar a unos cuantos adolescentes en celo. Que de niño tuviera un trauma con las máscaras o con su lasciva hermana es lo de menos. De hecho, hasta que se llame Michael Myers es lo de menos, pues lo que Carpenter pretendía era presentarnos a una reencarnación de Satán en la tierra. Sólo así se explica que no muera nunca, ni siquiera cuando le clavan una aguja de coser en el cuello o cuando le pegan cuatro tiros a bocajarro y lo tiran desde el balcón de una casa. Myers es un ser sobrenatural, es el Demonio, es un concepto mefistofélico más que una persona. Atentos a los diálogos que el Dr. Loomis (Donald Pleasance) tiene con una de las enfermeras del centro:

Marion Chambers: Don't you think it would be better if you referred to "it" as "him"?
Dr. Sam Loomis: If you say so.
Marion Chambers: Your compassion's overwhelming, doctor.

En efecto, Loomis no habla de Michael como si éste fuera una persona, sino como si fuera un monstruo, una entidad abstracta cuyo único fin sea hacer el mal. No está mal, teniendo en cuenta que se trataba de su psiquiatra. Pero justamente en ello radica lo mejor de la cinta: Michael con su lento andar (aunque siempre atrape a sus víctimas), con su silencio, con su mirada vacía en el único momento en el que le quitan la máscara, con su sadismo automatizado... Impecable la labor de Carpenter a la hora de imaginar semejante psicópata e impecable la forma que tiene de narrar el suspense de la acción: prácticamente no hay una sola gota de sangre en toda la película (al contrario de lo que muchos piensan) porque Myers tiene muchos recursos a la hora de asesinar: en un caso estrangula a una chica con el cable del teléfono, sin mover ni un ápice un solo músculo de su cuerpo mientras la muchacha se debate y patalea como una posesa. Pero la tensión se halla presente en cada segundo de la cinta, merced a esa cámara subjetiva que va siguiendo a la pobre Jamie Lee Curtis desde el principio del argumento, esos silencios insoportables, esas sombras entrevistas en el fondo del plano y, cómo no, esa máscara inexpresiva que tanto pavor causa aún hoy en día. Una máscara hecha con el molde de la cara de William Shatner, el Capitán Kirk de 'Star Trek' o, más recientemente, el Denny Crane de 'Boston Legal', dicho sea de paso (apunte para los enfermos al medio catódico). Y todo ello subrallado con la fantasmagórica musiquilla de piano compuesta por el propio Carpenter, una tonadilla insistente y reverberante que se te mete en la cabeza y no te suelta hasta mucho después de haber visionado el film. Fascinante y, a la vez, pone los pelos de punta. Toda una lección magistral sobre cómo aterrorizar al personal con cuatro duros y un pulso maestro a la hora de llevar la cámara y montar los planos.

Como dato final, simplemente decir que hasta que salió el bodrio de Blair Witch esta película fue el film independiente más rentable de la historia. Que después haya sido imitado miles de veces y que muchos psicópatas de celuloide nacieran a su vera (¿verdad, Jason?) no le quita para nada la originalidad a esta historia, eternamente mancillada con infumables secuelas de las que, con muy buen criterio, Carpenter se desentendió (aunque aún sigue cobrando royalties por ellas). Este verano en USA el infumable Rob Zombie estrena un remake de este clásico, y el hecho de que le dedique más de media hora a la infancia de Michael ya deja bien claro que el muy inepto no ha entendido nada: a Michael Myers no se le humaniza. Myers es el Mal Absoluto.

Cada vez que en un film vean al malo levantarse del suelo para pegar un susto final a pesar de que lo hayan acuchillado, ahorcado, cercenado y cosido a tiros, ya saben a quién tienen que agradecérselo. No se lo tengan en cuenta si son malas copias: acudan a la fuente original y el escalofrío que les recorrerá la espina dorsal será de lo más genuino.

LAS PELÍCULAS FAVORITAS DE LA JUNTA (1)

Iniciamos aquí una serie de comentarios sobre las películas favoritas de la Junta Gestora del blog. Hoy:


ORDET (La palabra) 1955 - Carl Theodor Dreyer


No tengo palabras para describir el éxtasis que experimenté la primera vez que vi esta película. Fue en televisión. Eran mis primeros pasos en el mundo del cine, allá por el 93 (o 94, o 95, o 96 no recuerdo ¡y que más da!) y el primer programa de J.L.Garci “Que grande es el cine”. No podían empezar mejor ambas singladuras. Fue tal el shock que recibí que desde entonces Carl Theodor Dreyer se convirtió en uno de mis directores de cabecera junto a W.Allen, J. Houston, K.Mizoguchi, S.Spielberg y Mariano Ozores, entre otros. En segundas y terceras (y cuartas y quintas revisiones) mi admiración fue creciendo y no solo en el aspecto estético si no en un ámbito más profundo.

Cuenta la película la historia de dos humildes familias danesas enfrentadas por motivos religiosos, en concreto la concepción de dios que cada una tiene. Entre medio, el amor entre el hijo y la hija de una y otra familia, la locura de Johannes y la crisis religiosa que sufre una de las familias a causa de la muerte de una de las protagonistas.

Pero más allá del retrato que realiza el maestro danés de la religión, sus íntimas manifestaciones y los conflictos que ésta genera en lo más profundo de las personas mi lectura es la de una exaltación de la fe sin parangón en el cine. Y si a primera vista parece un alegato a la fe religiosa (no en vano Dreyer es un maestro en la representación de la religión en el cine como acto íntimo y personal) mi lectura es más general (y prosaica si queréis). Es la fe lo que mueve a las personas y la creencia profunda de que las cosas sucederán. Tener fe es primordial para tirar adelante en cualquier proyecto, sea vital, profesional o llamadlo como queráis. Tener fe es básico para creer que todo lo que hacemos llegará a buen puerto. Luego la vida ya se encargará de tumbarnos cuando menos lo esperemos, pero sin esa fe no daremos el primer paso ni el segundo.

Dicen que la fe mueve montañas, tal es su poder. Pero insisto, no me refiero a una fe religiosa si no más bien a la fe que podamos tener en nosotros mismos y en los que nos rodean que nos dará el empuje necesario para poner en marcha nuestra vida, nuestras ilusiones, nuestros proyectos.

La secuencia final del milagro es una muestra del poder de la fe. Tan solo Johannes, el “loco” que se cree Jesús, y la hija de la fallecida tienen fe suficiente para creer en la resurrección de la finada. La fe del que es despreciado por no tener un comportamiento estandar pero que cree en si mismo como no lo hacen los demás y la fe de la inocencia infantil que cree que todo puede pasar solo con creerlo y desearlo.

En el aspecto formal de la película remarcar la austeridad de la visión cinematográfica que tiene Dreyer patente ya desde sus primeros trabajos y que alcanzaría su cenit en “Gertrud” (1964) obra póstuma y considerada su mejor película. Pero no se trata solo de una austeridad en cuanto a elementos fílmicos o escénicos (que también) si no en relación a la expresión de unos sentimientos que parecen contenidos pero que retratan perfectamente la psicología de unos personajes torturados por el tambaleo de su fe. Los diálogos, reducidos a su mínima expresión, expresan solo lo que es vital para el desarrollo de los personajes y de la película. No hay frases superfluas ni innecesarias. Todo está puesto y dicho para que los personajes evolucionen hasta el clímax final representado en el milagro.

Se podrían explicar muchas más cosas tanto a nivel cinematográfico (como el uso del plano secuencia, los movimientos de cámara, el espacio escénico, etcétera) como a nivel temático (Kirkergard, puritanismo, intransigencia…) pero no es esa la cuestión que me ha llevado a comentarla. FE, y solo eso, es lo que nos mueve y nos puede hacer alcanzar los deseos y anhelos que todos tenemos. Tened fe y triunfareis, aunque solo sea a nivel personal.




Os enlazo los 8 minutos finales. Si conseguís pasar del segundo minuto sin dormiros lo consideraré un éxito. Si no, no os preocupéis, ya vendrán otras películas más divertidas.

ORDET

NUEVA TEMPORADA

Después de las vacaciones volvemos con nuevos aires. Nueva plantilla, nueva sección y nuevos comentaristas son los principales alicientes.

La nueva plantilla no es nada del otro mundo pero puestos a cambiar escogimos la que más nos gustó. Si, vale, estabamos algo borrachos y/o drogados pero no es menos cierto que queda muy bien y tiene un color agradable a la vista (deformada y trastornada) de nuestros participantes.

Hemos aprovechado la ocasión para ampliar la barra lateral con nuevas secciones como links a los blogs de nuestros clientes, amigos y conocidos; enlaces a páginas de alto interes cinematográfico (que no creemos que reciban muchas visitas a traves de este blog) y enlaces a los videos que iremos incluyendo en la nueva sección: Las películas favoritas de la Junta.

Es ésta una sección creada para mostrar las peliculas que más han cautivado a los miembros de la Junta sean por la temática, por la estética o por que simplemente nos gustan o divierten. Será una sección quincenal, más que nada para no quedarnos sin cartuchos a los dos meses, y que también aceptará los comentarios de los distnguidos clientes aun a riesgo de ser motivo de burlas varias.

Finalmente, damos la bienvenida a las nuevas comentaristas que se suman a la lista. Empezando por Patty, nuestra querida salvadoreña, que se suma a la ya larga lista de afamados críticos provenientes del Palacete, cuna de insignes comentaristas y revisionistas del mejor cine. Del mismo modo se cuela en la lista Lula que con su sapiencia y gracejo caractéristicos nos hará partícipes de sus películas favoritas. Y cogiendo el puente aereo BCN-SFO nos alumbrara MJ, nuestra enviada especial en Santa Cruz (USA), con sus preferencias cinematográficas.

Y para continuar con la principal actividad del blog el domingo tendréis la oportunidad de leer la crónica de nuestro querido Dr.Jota que no dejará de sorprendernos como en él es habitual, además de la primera entrega de Las películas favoritas de la Junta.

Gracias por vuestra atención y esperamos que la nueva temporada sea tan exitosa y fructifera como lo ha sido la pasada.

LA JUNTA GESTORA

CERRADO POR REFORMAS

Cerramos el blog durante el mes de agosto para acometer reformas en la fachada del local.

Sabemos que estos últimos tiempos hemos tenido un poco abandonado el sitio pero entre el trabajo y otros asuntos extra-laborales no hemos tenido tiempo de llevar las cosas del blog al día. Asi que aprovechando el parón estival que realizan el 90% de los participantes la junta gestora ha decidido cerrar las puertas, plantar el andamiaje en la fachada y cubrirlo todo con esa redecilla verde tan característica para regresar en septiembre con nuevos aires y un post de nuestro amado y admnirado Jota.

Hasta septiembre,
Junta Gestora

GLADIATOR by EDH68

Pues nada, aquí estoy para presentaros una película que causó en su dia una profunda impresión en mi, tanto por su guión como por sus diálogos y célebres frases catedralicias, tanto por su reparto, principalmente un genial Russel Crowe como por su dirección; tanto por sus efectos especiales tan acurados y perfeccionistas como por su fantástica banda sonora. Pelicula del año 2000 galardonada con seis estatuillas por la academia y que ha hecho rebrotar el viejo cine basado en las historias épicas romanas ya iniciadas mucho tiempo atrás con otro gran clásico del celuloide como Ben-Hur del mítico Charles Heston.
Dirigida por, a mi juicio, gran maestro del cine contemporáneo Ridley Scott e interpretada por actores de la talla del ya mencionado Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Richard Harris, Djimon Hounsou, Derek Jacobi, Oliver Reed o Connie Nielsen, simplemente es una obra maestra que dada su intensidad incluso se me llega a hacer corta.
Bien, sin más dilación paso a continuación a repasar su trama muy por encima. La historia se centra en torno a un soldado romano (el general Máximus) que después de varias conquistas realizadas para el imperio desea retornar a su hogar. Marco Aurelio piensa en él como su sucesor al frente de Roma ante los celos del hijo del emperador (Commodus) que ordena la ejecución de Máximus y de toda su familia.
Nuestro protagonista se librará de la muerte y a través de una historia que da muchas vueltas regresará a Roma como esclavo, y en concreto como un gladiador al servicio de las huestes del imperio gobernado por el malvado Commodus, ahora nuevo emperador romano una vez muerto su progenitor. Después de haber escapado a la muerte, convertido en esclavo y entrenado como gladiador vuelve a Roma con sed de venganza.
Mientrastanto, su fama va creciendo y el pueblo romano encuentra en su figura a un nuevo ídolo ante la celosa mirada del César que encuentra en él a un cada vez más peligroso rival, una auténtica amenaza para el poder que ostenta. Nuestro héroe, el otrora general Máximus, en un apasionante final en el circo romano puede vengar la muerte de su familia acabando con la vida del emperador Commodus. El desafio final, ante la impertérrita mirada de los miles de romanos asistentes al duelo es de una crudeza y de un dramatismo exquisitos.
Al final el protagonista también muere, pudiéndose reunir con los suyos en la otra vida y habiendo recuperado su dignidad y honor como soldado al servicio de Roma, habiendo librado justa venganza ante su antiguo verdugo.

En definitiva, una excelente pelicula de un metraje aproximado de dos horas de duración.

ED WOOD by HRubesch

El cine dentro del cine, un tema al que históricamente se ha recurrido para rodar muchas películas, algunas memorables, es de lo que trata este film dirigido por Tim Burton en el 94. Pero en este caso existe una diferencia muy notable, el protagonista de la peli encarna al que fuera escogido como "el peor director de cine de todos los tiempos", Edward D. Wood Jr.

Tim Burton narra con maestría, bastantes toques de ironía y comicidad, pero sobretodo con un respeto muy cariñoso, la vida y milagros de un presunto director de cine tan cargado de ilusión como falto de talento. Ed Wood, un fan incondicional de Orson Welles y cuyo hobby principal es ponerse los vestidos de su novia, consigue llevar a cabo el rodaje de una película sobre un hombre atormentado por su deseo de vestirse, primero, y convertirse, después, en mujer. Dicha película nunca se estrenó en L.A., "nadie se ha atrevido a estrenar esta puta mierda" le grita el productor, y en el resto del país fue un fracaso rotundo, lo mismo que el resto de películas que llegó a rodar.

A pesar de cosechar fracaso tras fracaso, Wood nunca abandonó su deseo de poner en práctica sus proyectos, para los cuales contó con un grupo de freakies que iba en aumento a medida que empezaba a rodar una nueva película. De la peña que acompañó a Wood en su patética carrera cinematográfica cabe destacar a Bela Lugosi, un mítico Drácula convertido en un yonqui setentero, gran interpretación de Martin Landau, Vampira, una presentadora de TV antecesora de Elvira, o el luchador Tor Johnson. Con tal particular helenco no es extraño que Wood filmara algunos bodrios como "La novia del Atomo" o "Plan 9 from outer space", película de zombies creados por unos extraterrestres disfrazados de caballeros medievales, con escudos con hachas y todo (grande Bill Murray).

Aprovecho este espacio para confesar mi gran admiración por uno de los directores de cine favoritos, Tim Burton, así como destacar la grandiosa actuación de Johnny Depp, gracias a los cuales pude disfrutar de las auténticas "Glen or Glenda" y "Plan 9 from outer space", verdaderas perlas del pre-freakismo actual. Buenas aportaciones de Sarah Jessica "Cara Caballo" Parker, Patricia Arquette y Jeffrey Jones.

YO HICE A ROQUE III by elcautivo

(“No sé si chingarte u operarte del apéndice. Casi mejor lo primero”)

Para algunos será Los Bingueros, para los que no son fans de la pareja será Los energéticos pero para mí sin duda alguna Yo creé a Roque III es la cima de esa pareja de estrellas del cine español: Fernando Esteso y Andrés Pajares.

Yo creé a Roque III (1980) surrealista título donde se esconde una parodia a la saga de Rocky puede ser el punto culminante del cine de esa época creado por el prolífico Mariano Ozores: decorados de andar por casa, alguna tetilla suelta para vender más, chistes malos hasta la médula en un argumento simplón. En este caso Roque Tercero vive en casa de su amigo Federico, ya que a los seis años lo defendió de un chaval de siete y por eso Federico le está en deuda de por vida, a pesar de que ni su mujer ni su suegra lo soporten. Para librarse de el, y con ayuda del omnipresente Ozores establecerán un enfrentamiento de Boxeo entre Roque y Kid Botija, el campeón español.

A partir de ahí es empezar a reirse y no parar. Los gags son terriblemente malos, parecen chistes del No te rías que es peor, pero reconozco que es una de las comedias con las que más me he reído nunca: El golpe secreto de Roque: La roquina, La venta del detergente Pilón. La hilarante conversación made in Ozores del peso de Roque, los “cuerpos” que le ponen a Roque delante para hacerle creer que puede vencer al campeón, las nada veladas referencias a Rocky, la supuesta enfermedad del hijo de Esteso ese final donde Spoiler después de sacarle una lentilla a Kid Botija y arrearle una roquina declara ante toda España que nunca va a abandonar a su amigo
Federico Fin del Spoiler




Supongo que la mayoría de vosotros pondréis el grito en el cielo pensando como se puede hablar bien de esta película. Todo lo contrario. Yo creo que las películas de Pajares y Esteso han sido de las mejores de nuestro país. Han sido las únicas películas competitivas de nuestra industria, llenando una vez sí y otra también los cines. Y reconozcámoslo, ¿acaso son mejores las comedietas que hacen ahora Santiago Segura, Antonio Toledo o Javier Gutierrez? Así que os recomiendo ver esta película con la mente abierta y pasareís un buen rato. Eso sí, la mejor manera de ver el film es en VHS, preferentemente grabada de Telecinco (con logo antiguo y todo)

Take 1
Take 2