VIDEOBLOG DEL PALACETE

CLOSED (Cerrado) by Elnan

2008-04-13T19:42:00.002+01:00

THE 25TH HOUR (La última noche) by Álex

2008-04-07T12:09:00.003+01:00

Bueno, me ha llegado el turno. Estoy poco productivo ultimamente, así que en lugar de ponerme a pensar en alguna peli que me haya marcado, o en algún clásico, os relataré la última peli que me “compré” en la tienda de torrente. “La última noche” (The 25th hour) de Spike Lee.

Lo primero que llama la atención de la peli, siendo de Spike Lee, es que no es una peli de negros. No se me ofenda nadie, no es mi intención. Pero Spike Lee suele hacer peliculas de alta carga política y más alta carga racial. Y forma parte de un género que podríamos denominar “pelis de negros”.

Pues esta peli la protagoniza el gran Edward Norton. Y está secundado por otros grandes actores como Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson o Brian Cox.

El argumento es simple. Monty Brogan (Norton), un camello de Manhattan que ha hecho fortuna con su droguería, está a punto de ingresar en prisión. Tal como empieza la peli, le queda un dia para entrar. Y durante el film, vemos como afrenta el cambio que va a dar su vida y como se despide de sus relaciones y de su vida como ex-camello.

Sus relaciones son pocas. Una novia, Naturelle (Dawson), de la que sospecha que fue quien dio el soplo para que le pillaran. Una relación de pareja que parece bastante anodina, pero que será vital para que el tenga alguna luz al final del tunel de los 7 años de carcel. Sí, solo le han caído 7 años, ¿parece poco, no? Y una mierda, enfrentáos a 7 años apartados de vuestra vida.

Después está Frank (Barry Pepper) Típico broker de Wall Street que ha llegado a tener una posición privilegiada a base de pragmatismo y algún chanchullo que otro. Vamos, lo que se entiende por un broker. Gran dilema al que se enfrenta al final de la película. Pero chaval, si le dices a un amigo que harías cualquier cosa por el; apechuga.

Y el segundo amigo en discordia. Jacob Elinsky (Seymour Hoffman). Gran secundario este personaje. Profesor de literatura en el instituto, enamorado de una de sus alumnas, y con esa pinta de pervertido sexual reprimido que tan bien les sabe dar Seymour Hoffman, que es como un árbitro de futbol, siempre los 2 apellidos. Parece que la carrera de Hoffman ha dado un paso a personajes protagonistas. Mejor, porque entre esta peli y Hapiness, estaba encasillado en pervertidos sexuales.

También aparece la alumna lolita de la que se enamora Jacob, y esta es Anna Paquin. Sí, Pícara, o la niña del Piano. Pequeño papel de calientabraguetas que interpreta bastante bien. ¿Estará acostumbrada a ello?

Y por analizar nos queda al padre de Monty, James Brogan (Cox). Bombreo retirado que regenta un bar de bomberos. Personaje que comprende lo que ha tenido que hacer su hijo, la esposa murió cuando Monty era pequeño y el estaba ocupado con la botella. Así que aunque le disguste lo que va a suceder, se comporta y apoya al joven camello. Además, es el personaje que al final da un poco la sorpresa, que no destriparé aunque tenga ganas, pero que creo es la que le da el título en versión original “The 25th Hour” La hora 25 para aquellos que no sepan que hour es hora.

En resumen, una peli con poca acción. Debivo a que nos narra un solo dia, lo hace lentamente, aunque nunca molesta el ritmo de la película. Si os gusta el cine de Spike Lee, creo que os gustará.

¡No puedo olvidarme de otro protagonista! El perro que Monty salva en la primera escena de la peli, y se convierte en su mascota. Como bien dice el personaje: “Juro que salvarlo es lo mejor que he hecho en mi vida; cada día que ha vivido me lo debe a mí”. El perro saca la parte más humana del camello que es Monty, y aunque es difícil que su papel sea memorable, es uno de los perros que más influyen en la evolución de un personaje.

Toma final.

THE HIDDEN by Doctor Jota

2008-03-23T15:36:00.001Z

the Hidden (Oculto), o todo el esplendor de la serie B

Siempre he sostenido que el auténtico arte cinematográfico, el artesano, el que simplemente se mueve por la pasión y que busca atrapar al público mediante elevadas dosis de entretenimiento puro y duro, se encuentra en los films de serie B. Películas de presupuesto limitado, con actores de segunda fila, un equipo técnico mal pagado pero que, a pesar de todo, destilan un cierto tipo de arte en cada fotograma porque se nota que todos los que intervienen, del primero al último, se lo están pasando en grande. John Carpenter es un maestro en hacer películas de serie B de altas prestaciones (donde la relación calidad/precio alcanza sus cotas máximas), y quizás uno de las películas que más me han hecho comerme el coco sea precisamente su En la boca del miedo, pero como la última vez que pasé por aquí ya hablé de Halloween, su insuperable y sanguinario do de pecho, me remitiré a otra de esas pequeñas perlas que seguro que a muchos les pasó desapercibida en su tiempo pero que ahora es relativamente fácil de recuperar gracias a las modernas tecnologías internáuticas.

Señores, bienvenidos al Los Angeles de The Hidden, un mundo en el que todo es posible y en el que un vulgar delincuente común puede convertirse en el quebradero de cabeza más importante que se ha tirado por la cara el departamento de policía local en lustros. Se abre el telón y tenemos frente a nosotros una de las persecuciones automovilísticas más bestias que hemos presenciado en un cine: un tío atraca un banco a cara descubierta, coge el botín y se larga en un Ferrari rojo recién sisado, volando por las calles de la urbe californiana. Tom Beck (Michael Nouri) es el 'pasma' encargado de echarle el guante. Para ello monta una barrera de coches de policía y aguarda a que llegue el bólido con todo un montón de agentes con el arma desenfundada parapetados tras sus automóviles. Se oye el rugir del motor en la distancia, se palpa la tensión en el ambiente, aparece el Ferrari con el atracador dentro y, haciendo caso omiso de los avisos que le conminan a detener el coche, se estampa contra el dispositivo montado y el coche termina echo una bola de fuego unos metros más allá. Contra todo pronóstico, el delincuente sale del mismo por su propio pie, lanza una mirada de desdén a los hombres de Beck y sigue avanzando. Los policías disparan, él ni se inmuta. Sigue caminando. Otra lluvia de balas. Él sigue a su ritmo, pero al final cae. Lo trasladan a un hospital donde expira en su habitación. Caso cerrado... o no, porque a su compañero de habitación, un cirrósico en estado terminal, le da por levantarse de la cama como si nada, dejar la clínica e irse a... robar otro Ferrari

Eso le pasa a Beck por no hacer caso de los consejos del agente del FBI Lloyd Gallagher (Kyle McLachlan, a punto de sumergirse en el sórdido mundo de Twin Peaks), que ya le avisó en el hospital que este asunto era mucho más complicado de lo que parecía a primera vista. Como en Fallen, la cosa deriva en la persecución de un criminal que puede ir cambiando de cuerpo a voluntad. Pero así como en el film de Hoblit la cosa iba de versos satánicos, en Oculto quien lleva la batuta maléfica es un extraterrestre con bastante mala uva y un cierto toque de humor negro. Los saltos corporales se completan usando un método que deja a los del Alien de Ridley Scott a la altura de un vulgar juego de niños alienígena, y el humor vitriólico que impregna todo el metraje se debe en gran medida a que el extraterrestre de marras se encuentra en nuestro planeta de vacaciones y con unas ganas enormes de pegarse una farra descomunal por estos parajes (¿y qué mejor manera que ir descuartizando a inocentes ciudadanos, atracar bancos y robar un Ferrari tras otro?). Nuestro amigo el policía al principio no cree en todas estas patrañas, pero el hecho de que su compañero del FBI sea un poco 'rarito' -dicho de otro modo, que no parece de este mundo, y ustedes ya me entienden- le ayuda a comprender mejor la complejidad del caso en el que anda metido, y que concluye con un intento de magnicidio interplanetario.

Film altamente recomendable, marcó un punto de inflexión a peor en la carrera cinematográfica de los dos protagonistas, pues a partir de aquí ya no hicieron nada decente en celuloide (no así en la pantalla catódica). Tampoco es algo achacable a esta película, de todos modos, que se deja ver con el encanto del añejo cine artesanal de finales de los ochenta, y que adquiere una dimensión muy meritoria si tenemos en cuenta que se rodó con cuatro duros y un sobrante de imaginación. De verdad, si pueden no se la pierdan.

Más información en la Wikipedia (inglés).

THE PATRIOT (El patriota) by Emili

2008-03-09T18:36:00.003Z

A mi juicio, una obra maestra del cine contemporáneo sin lugar a dudas. Dirigida por Roland Emmerich,es una producción americana del año 2000 que cuenta con el australiano Mel Gibson como protagonista, encabezando un reparto entre los que figuran el recientemente malogrado Health Ledger, Joely Richardson, Tom Wilkinson o el villano Jason Isaacs. En su Banda Sonora cuenta con la participación del mítico John Williams y su duración es de unos 160 minutos aproximádamente. El tema central de la película gira en torno a la guerra de la independencia norteamericana, suceso acaecido a finales del siglo XVIII. Este es un film bien ambientado en su época y al basarse en hechos históricos le da a su argumento mayor solidez y versemblanza.

Benjamin Martin, es un antiguo héroe de guerra que vive en tierras de Carolina del Sur, cuando de repente se haya inmerso en plena batalla por la independencia americana. La que ahora seria norteamérica es invadida por las hostiles y agresivas fuerzas británicas de los Redcoasts, unos invasores que cuentan con un cabecilla especialmente sádico, un oficial británico sin escrúpulos dispuesto a todo por ganar esa guerra. Benjamin, viudo de un tiempo a esta parte y que vé como su familia es dividida por esta absurda guerra, es un rebelde con espiritu revolucionario, un guerrero que no está dispuesto a mantenerse en silencio ante las hordas represivas llegadas desde el otro lado del Atlántico. Así que recluta una banda de voluntarios reacios que estan dispuestos a dar la vida por su pais, valientes guerreros que no querrán conceder tan fácilmente su tierra al enemigo extranjero. Entre los reclutados por B. Martin (Gibson) incluye a su hijo Gabriel (Ledger) más idealista y patriota si cabe que su padre, para armarse contra los británicos en una lucha paralela en la que encontraremos el contraste entre el amor hacia su familia por un lado y la lucha sin cuartel por la libertad de su pais. Martin descubre en los horrores del campo de batalla como el dolor de la traición, la venganza y la pasión desenfrenada se mezclan con el coraje y el honor de sus leales hombres que lucharán sin ningún temor a las consecuencias motivadas por su rebeldía.

Mientras tanto una nueva América está a punto de nacer.

Este hombre de principios, fiel a sus ideales y un revolucionario con causa, convierte esta guerra de secesión como en algo personal. El hecho de ser un ex-militar británico y colono de Nueva Inglaterra hace más interesante su papel. De hecho "reniega" de los suyos, pasa de héroe a traidor, por ello las tropas inglesas lo quieren ver más que muerto, simplemente por lo que representa su figura más allá de la de un vulgar combatiente. Al principio veremos como se muestra contrario a luchar contra sus "ex" por la colonia americana a la que pertenece mostrándose reacio a la lucha armada y apostando por el diálogo y las negociaciones diplomáticas con el enemigo... Pero vence la decisión de ir a la guerra entre los suyos. Cuando se alistan sus dos hijos en el frente rebelde y vé como delante de su casa el oficial villano de los ingleses mata a uno de sus hijos a sangre fría...entonces Benjamin Martin luchará por dos causas. Os recomiendo tres escenas, la de los hombres de paja engañando a los ingleses, como una bala de cañón le vuela la cabeza a un combatiente... y sobretodo la escena final cuando venga al asesino de su primogénito.

Vengar la muerte de su hijo y conseguir de paso la independencia de los Estados Unidos serán los dos objetivos que centrarán el desenlace final de esta excelentísima película.

TRUE ROMANCE (Amor a quemarropa) by HRubesch

2008-02-25T18:26:00.009Z

Lo que le ocurre al protagonista de este enorme film durante los primeros 15 minutos es lo que yo siempre he soñado: Clarence (Christian Slater), un humilde trabajador de una tienda de comics, se va al cine del barrio a tragarse una sesión triple de pelis de Kung-Fu el día de su cumple. Ahí conoce por casualidad, o no, a una rubia, Alabama (Patricia Arquette), con la que pasará una noche de sexo notable. Resulta que ella es una puta contratada por el jefe de Clarence como regalo de cumpleaños (a ver si las empresas de este país toman nota). Pero entre los dos nace el amor, sí, sí, sí, viva!, y fíjate, deciden unirse para siempre en matrimonio.

Entonces empieza lo bueno. Siguiendo las órdenes del fantasma de Elvis Presley (val Kilmer), Clarence se va a casa de del chulo de Alabama (Gary Oldman) para recoger sus efectos personales y rescindir el contrato que les une profesionalmente. Como el chulo no atiende a razones, se lía una de hostias brutal, donde sólo sale vivo Clarence, pero se lleva una maleta equivocada. En lugar de los tangas de la rubia, la maleta está llena de coca. Y además el gilipollas de Clarence se deja el carnet de conducir en el lugar de los hechos.

Los recién casados deciden largarse a Hollywood pues saben que ahí la gente, además de aire, agua y pan, necesitan coca para subsistir. La intención es sacarse de encima todo el cargamento a buen precio, y con la pasta montar un nido de amor lejos de allí. En un momento dado proponen Cancún como destino final, lo que me hace suponer que si la acción se hubiese desarrollado en la piel de toro, el destino hubiese sido Marina d'Or. Este dato es importante para hacerse una idea de la calaña de esta gente.

Como la cantidad de coca que llevan encima es tremenda, a nuestros amigos les persigue la mafia y sus sicarios (Christopher Walken, James Gandolfini). Además en L.A., la poli (Chris Penn, Tom Sizemore) se entera de que se llevará a cabo una transacción de droga de tamaño bestial. O sea, que el día de la compraventa se dan cita nuestros 2 protas, sus amigos y contactos con el mundo de Hollywood, el productor de cine (Saul Rubinek) que va a comprar la coca, famoso por su peli "Vietnam me mata", los gorilas gilipollas de éste, la poli y finalmente una colla de mafiosos. Los únicos que consiguen salir vivos de la orgía de sangre y fuego son Clarence y Alabama, que, con la pasta y lo puesto, consiguen su objetivo final. El amor ha triunfado.

A mí me encantó. El ritmo es trepidante, y la estructura de la peli consigue combinar diferentes estilos de manera exitosa: amor, acción, mafia, road movie, etc. El guión es del amigo Tarantino, cosa que se nota en algunos detalles muy curiosos: las hamburguesas (después de cargarse a Oldman, nuestro prota se come una, como Vince Vega y Jules al principio de Pulp Fiction) y Sonny Chiba, el protagonista de las 3 pelis de Kung-Fu es el mismísimo Hattori Hanzo de Kill Bill.

Además, la peli cuenta con un montón de actores que hacen pequeños papeles pero de gran calidad. Una de las mejores escenas del film es el interrogatorio al que es sometido el padre de Clarence (Dennis Hopper) por parte de uno de los jefes mafiosos (Christopher Walken). Igualmente notable la interpretación de asesino despiadado de Gandolfini, y un colgado muy colgado Brad Pitt.

Gran trabajo el director Tony Scott, ese hombre que se hizo especialmente famoso por otra joya del séptimo arte como es Top Gun.

EL LAGO ASUL by General Fórceps

2008-02-04T12:47:00.000Z

Conmovedor cortometraje que se alarga más de lo debido.
Si no me traiciona la memoria, 266 pasajeros salen de Sydney dirección a Los Angeles cuando el avión pierde el culo en pleno vuelo y se precipita al vacío (donde ya estaba igualmente pues era un avión en vuelo).

La galleta tiene lugar en una isla del Pacífico, y sobreviven unos 50 tios. Se las apañan para encontrar agua, vino, ciruelas, y todo tipo de instrumental para sobrevivir, esperando que les rescaten pronto, cosa que no va a ocurrir pues la gente no-perdida está para otros menesteres. Hasta aquí se parce mucho a LOST.

La diferencia es que un amanerado chaval y Brooke Shields, por la noche, matan a todos los supervivientes con saña y alevosía. Una vez se han comido los cadáveres de todos los tios y se han montado un columpio con sus huesos, se dedican a foshá como jabatos.

Desde un punto de vista estrictamente técnico, la actitud del chaval es comprensible (había mucha competencia) pero Brooke Shields debió haber tenido más tacto y follarse a todos los machos y embarcarse en juegos lésbicos con las supervivientas en vez de matarles a todos. Tema controvertido.

En cualquier caso, no recuerdo el final. Diría que viene un barco pirata, viola y abusa de Brooke Shields, y tortura y ejecuta al rubiales amanerado. Pero no estoy seguro: quizá se esconden al ver el barco y se quedan foshando para siempre, si bien supongo que a la larga, caso de confirmarse este final, el tio también se aburriría de Brooke Shields y la ejecutaría.

No: diría que Brooke Shields se salva y regresa pues se pasó por la piedra a André Agassi hace años, luego en la isla no se quedó. Me pregunto donde andará el tio...

EL HOMBRE TRANQUILO by Pe

2008-01-13T22:08:00.000Z

Me toca otra vez...y ahora elijo mi película favorita de todos los tiempos.

Un film de 1952...horror...una peli antigua!!!...pero si os digo que el director es John Ford...y que los protagonistas son John Wayne y Maureen O’Hara ? Cambia eh!

Una película de John Ford que no es un western...una historia situada en pequeño pueblecito irlandés: Innisfree.

Nos habla de un ex-boxeador Sean Thornton (Wayne) que vuelve al pueblo de sus padres (y donde él nació) para quedarse a vivir, después de haber pasado casi toda su vida en Estados Unidos.

Al llegar, conoce a una guapa pelirroja, Mary Kate Danaher (Maureen O’Hara) de la que se enamora y con la que se casa.

El problema viene cuando el hermano de ella (un gran Victor McLaglen) se niega a dar la dote que corresponde a su hermana...y mientras que a Sean no le importa lo más mínimo, Mary Kate monta en cólera ante la pasividad de su reciente marido para reclamar lo que es suyo.

Lo que ella no sabe es que Sean oculta un secreto en su pasado que le impide pelear...

La historia discurre entre las discusiones de un matrimonio que a pesar de estar locamente enamorados son incapaces de ser felices por puro orgullo...y todo un pueblo que asiste al espectáculo, no sólo como meros espectadores sino que tratan de ayudarlos a resolver sus problemas.

Porque en Innisfree nadie vive aislado, todos sus habitantes saben de la vida de los demás...todos se interrelacionan...si hasta el hijo del pastor protestante (que no tiene ni un feligrés, pero al que todos quieren) se hace católico y ayuda al sacerdote católico del pueblo.

La película es un gran collage de personajes entrañables, con diálogos cargados de humor (hay que estar atentos a esos diálogos socarrones) y unos paisajes como sólo los hay en Irlanda.

La parte final es una interminable pelea entre Thornton y su cuñado Danaher a la que se añaden multitud de vecinos mientras recorren la población entre puñetazos y apuestas.

No es una película ñoña, es una película amable...divertida y que nos ofrece el choque entre la visión moderna de un hombre criado en Estados Unidos y las tradiciones, casi que podemos decir ancestrales, de ese pequeño pueblo irlandés.

John Wayne logra una de sus mejores interpretaciones y a Maureen O’Hara (además de ser una gran actriz) no la he visto más guapa en otra película.

Dos curiosidades:

Cuando acaba la película, podemos ver a todos (y cuando digo todos, son todos) los actores en grupos de dos o tres saludando y despidiéndose del espectador.

Y una canción que se va repitiendo durante gran parte de la película: Wild Colonial Boy...dan ganas de salir a buscar un pub irlandés...

A alguien le apetece una pinta?

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Notas mentales para un post post-navideño post-post de Pe... a ver si alguien lo entiende por que lo que soy yo...

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... Feliz año a todos... con algo de retraso... sí, vale, lo reconozco llevamos 13 días del nuevo año y ya es un poco tarde para hacerlo, pero más vale tarde que nunca... o eso dicen...

¿Por donde iba?... Ah! Sí... decía...De nuevo estamos aquí para que podais leer y comentar sobre nuestras películas favoritas.

Era mi intención...bueno... lo pensé antes de las fiestas pero fue pasando el tiempo y se quedó en el cajón... comoibadiciendo... quería colgaros un post durante la Navidad hablando de alguna película relacionada con dichas fechas, al estilo de las películas de Semana Santa como "Ben-Hur", "Los diez mandamientos", películas de la vida de Cristo y peplums varios.

La película no es otra que... "¡Que bello es vivir!"... creo que la ponen cada año en alguna cadena... y si no lo hacen... deberían. Es un peliculón de Frank Capra y con James Stewart y Donna Reed en los papeles protagonistas. Amenudo criticada por ser muy... digamos... azucarada... está entre las mejores obras de su director... y tambien entre las mejores de James Stewart. Ambientada en Nochebuena, es optimista ... al menos a mí me lo parece y ... bueno... la veis... si no lo habeis hecho ya... y vosotros mismos...

La cuestión es que la falta de tiempo por motivos laborales de todos conocidos me han impedido siquiera sentarme a escribirlo... la verdad es que el poco tiempo libre que he tenido lo he dedicado a yacer viendo pelis y me ha dado mucho palo ponerme...

Esta languidez mental ha provocado tambien que deje aparcada para otro momentos la idea de poneros las películas favoritas de la Junta... ¿queda para mejor ocasión?

Así que para paliar mi vagancia os dejo un par de enlaces... buscados en 5 minutos... sobre "¿Qué bello es vivir?"... sí, lo he puesto con interrogantes...por si hay alguien que no lo pilla...

La web del cine clásico

Fragmento final de la película

Enotrordendecosas... en el lateral teneis el orden en que os toca escribir sobre vuestra elección... creo que hasta un niño de cinco años podría entenderlo... vamos que no creo que haya muchas dudas... aunque nunca se sabe las mentes preclaras que nos leen.

Hoy empieza Pe... a partir de ahí podeis iros preparando la que querais para vuestra fecha.

Sabeis que no estamos cerrados a ningún género ni sub-género así que no os corteis...

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EXITO A CUALQUIER PRECIO by KAFCAR

2007-11-26T10:21:00.000Z

"Glengarry Glen Ross: Éxito a cualquier precio"

Año: 1992
Género: Drama
País: Estados Unidos
Formato: Color
Duración: 100 minutos
Título Original: Glengarry Glen Ross
Dirección: James Foley
Producción: Jerry Tokofsky / Stanley R. Zupnik
Guión: David Mamet
Fotografía: Juan Ruiz Anchía
Música: James Newton Howard

Intérpretes:
Jack Lemmon (Shelley Levine)
Al Pacino (Richard 'Ricky' Roma)
Ed Harris (Dave Moss)
Alan Arkin (George Aaronow)
Jonathan Pryce (James Lingk)
Kevin Spacey (John Williamson)
Alec Baldwin (Blake)

Les presento Glengarry Glen Ross, una película que vi siendo muy joven (ruego no hagan cuentas), a la que la publicidad y la fama no le hicieron suficiente justicia. Ignoro los motivos, pues el reparto es inmejorable- (nótese que he escogido cuidadosamente esta palabra), la dirección, impecable, y el guion, firmado por el ex-gurú del gafapastismo David Mamet, y basado en una obra de teatro de cosecha propia, está construido a partir de diálogos brillantes y escenas memorables.

Mi única hipótesis es que, al tratarse de una historia pequeña, ni el estudio, ni la distribución apostaron por ella, y el boca-oreja no funcionó por ser una película que al finalizar dejaba más preguntas que respuestas y, en cierto modo, obligaba al espectador a completar la experiencia, fuera de la sala, mediante debate o su propia reflexión.

Pero vayamos a lo que si funcionó:

Se trata de un retrato del mundo de las ventas que no oculta sus orígenes teatrales: poco más de cinco escenarios, ocho personajes y un único tema a partir del cual se van construyendo los personajes, dejando la trama en algo accesorio o meramente funcional: el éxito; y por contraposición, el fracaso.

El fracaso impregna en todo momento el ambiente de la película, magníficamente recreado por la fotografía de Juan Ruiz Anchía y unos escenarios siempre cerrados, oscuros, gastados, en que todo elemento huele a fracaso y describe un trasfondo intimista, melancólico y crepuscular, habitado por perdedores.

Desde la primera escena (significativas llamadas telefónicas simultaneas de Lemmon y Harris), y a cuentagotas, se nos van mostrando los perfiles de cada uno de los personajes entre los que se cuentan un Lemmon, vendedor de la vieja escuela que languidece, Harris, outsider siempre en negativo, atribuyendo a los demás sus propias carencias (no nos dan buenas fichas ni apoyo; así es imposible vender!), Arkin, gregario y pusilánime, Spacey, el mediocre director de la oficina, burócrata sin autoridad, y Pacino, supuesto triunfador al que, en el fondo, lo único que le diferencia de los demás es su cifra de ventas.

Enseguida se va desarrollando una sutilísima reflexión sobre el reparto de poder que otorga el éxito, que curiosamente tiene su punto álgido al principio de la acción, en los, quizás, cinco minutos más memorables del metraje. Se da con la aparición del pez gordo interpretado por Baldwin, estelar en la mejor interpretación de su carrera. Cinco minutos de intenso monologo, salpicado con interacciones con Lemmon, Harris y Arkin, que, con un discurso intimidatorio y maniqueísta (pero no por ello menos valido), establece las diferencias entre éxito y fracaso, entre el palo y la zanahoria, entre vender y ser prescindible. Quedan de ese discurso no menos de una docena de frases para el recuerdo (recomiendo seguirla con un lápiz y un bloc), entre las que destaco la que mejor resume el speech de Baldwin: “Y usted deje ese café donde estaba. El café es solo para los que venden.” No deben perderse, tampoco, el detalle del coche que aparece aparcado en la calle la primera vez que Lemmon se dispone a entrar en las oficinas.

Finalizada la escena de Baldwin, vemos como lo que él ha puesto de relevancia de modo altisonante, es el día a día en las relaciones entre los vendedores y entre ellos y su jefe. Si vendes eres dios; Si no vendes, nadie. Lo que es explicito en el discurso de Blake, y que todos cuestionan (cuando Blake se ha ido), subyace implícito en su comportamiento cotidiano: Roma, el líder en la pizarra, actúa como si tuviera patente de corso, incluso con el policía. Levine, pasa del conformismo inicial a mendigar a Williamson, para, después de conseguir una buena cifra, mostrarse desafiante y displicente con él, y en la escena final, suplicante, y, ya sin ventas, derrotado y carente de toda fuerza. Williamson, que no vende, es tratado por todos como un mal innecesario, como un obstáculo en su desempeño, un títere en el que descargar su frustración, un cero a la izquierda a quien pisar. En un mundo donde las ventas dan poder, ni la jerarquía ni la capacidad de impartir normativas dan a ese personaje el menor crédito a ojos de los demás. Su incapacidad hace el resto, situándole como el ultimo en el escalafón. Destacar la bien llevada (por un magnifico Spacey) hijoputez de éste personaje, que aprovecha cualquier situación que le confiera un poder exógeno para devolver a los demás, en momentos de debilidad, las humillaciones que recibe (fíjense como se pone detrás de Blake durante el discurso o cómo le explica a Levine porqué no va a sacarle las castañas del fuego al final de la película). Siempre el fuerte maltrata al débil.

Para terminar, algunas de las escenas cumbres de la cinta:

-La última mirada de Levine a Roma. Su conversación anterior, sobre la raza en extinción que son los vendedores, hace que cuando se ve reencarnado en Roma, que ésta al teléfono, vendiendo, se dé cuenta de que está acabado; entonces, desiste y entra al despacho. Esa mirada es una vida que se extingue. Genial Lemmon.

-Aaronow a Roma: “¿Han cogido ya al tío que ha robado en la oficina?” Roma: “ –No… No lo sé”: ¿Realmente Roma no lo sabe? ¿No es la última llamada un intento de evitar trabar conversación con el fracasado Levine, de manera similar a como Levine y él intentaban evitar que Pryce anulara la venta? ¿Lo sabe Levine, teniendo su última mirada otro significado?

- Jonathan Pryce excusándose a Roma: Nuevamente, la relación de poder que otorga el éxito: Roma, aparente triunfador, es descubierto engañando al personaje looser de Pryce. Este, totalmente carente de poder, pues está supeditado a las decisiones de su mujer, lejos de cabrearse, pide disculpas a Roma por no haberse dejado estafar. “por favor, no me sigas” es su ultima y significativa frase.

-Moss y Aaronow planeando el robo: Chispeante dialogo. ¿Tarantiniano? No sería el único. Observar ciertas similitudes con Reservoir dogs, lanzada el mismo año, durante toda la película.

Y para los melómanos: efectiva banda sonora con buen jazz. ¿Stan Getz en los créditos iniciales? Por favor, confirmar.

AMADEUS by MJ

2007-11-19T20:05:00.000Z

FICHA TÉCNICA

Director: Milos Forman

Guión: Peter Shaffer

Estreno: 1984

Género: Drama

Interpretación: F. Murray Abraham (Antonio Salieri), Tom Hulce (Wolfgang Amadeus Mozart), Elizabeth Berridge (Constanze Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Roy Dotrice (Leopold Mozart), Christine Ebersole (Caterina Cavalieri), Jeffrey Jones (Emperador José II), Charles Kay (Conde Orsini-Rosenberg), Kenneth McMillan (Michael Schlumberg).
Premios: 8 Oscars, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor principal.

Por culpa de “Amadeus”, me pasé muchos meses tatareando el Réquiem de Mozart. “Dies irae, diiiiies irae...” cantaba yendo al colegio (porque por entonces, yo era muy joven). “Confutaaaatis malediiictis, flammis acribus addictis...” berreaba mientras limpiaba los platos. Tan impresionada estaba que hasta la primera dirección de e-mail que tuve se la dediqué a tan magna obra: KV626 (el código de clasificación del Réquiem) más una M (por Mozart, claro), en Hotmail. Sí, ya de adolescente era bastante repelente, yo.

“Amadeus” era una visión muy irreverente a la vida de un genio: se nos presentaba a Mozart como un jovenzuelo inmaduro, egoísta y alocado. Yo creo que, en el fondo, todos estábamos con el otro personaje principal: el pobre envidioso de Salieri, el músico mediocre pero dedicado que ve llegar a la corte a un niñato genial que no es consciente en absoluto de que los demás sudan mares por conseguir un ápice de lo que a él le sale de manera totalmente espontánea. En una de las escenas iniciales, Mozart llega a la corte austriaca y Salieri toca al clavicordio una cancioncilla que ha compuesto para darle la bienvenida. Mozart suelta algo así como “no está mal, pero se puede mejorar”, se sienta ante el instrumento e improvisa una pieza basada en la canción de Salieri, pero mejorada unas cien veces. La cara que pone el pobre mediocre, mezcla de admiración y pura envidia, es un poema...

Ya de por sí, el retrato de Salieri (un ser a veces detestable, pero muy humano) me haría darle a esta película un sobresaliente. Pero es que había mucho más: la risa loca que le pusieron a Mozart (y que traté de imitar, pero creo que nunca me salió), el vestuario (¡ah, me encantan las películas de época!), y la descripción del proceso creativo tras algunas de las óperas de Mozart. Y qué decir del trágico tramo final de la película, cuando un Mozart muy enfermo recibe el encargo de escribir un réquiem y acaba creyendo que lo está componiendo para sí mismo…

Aquella dirección de hotmail no funciona desde hace mucho y han pasado años desde que vi “Amadeus” por última vez. Pero sigo recordando la película casi al detalle... y el Réquiem aun me pone la piel de gallina.

WILD AT HEART by Lula

2007-11-11T18:00:00.000Z

This whole world's wild at heart and weird on top.......

Ficha técnica

Director : David Lynch

Guión : Barry Gifford / David Lynch

Estreno : USA – 17 de agosto de 1990 / España – Octubre 1990 Festival de Cine de Sitges

Reconocimientos :

Diane Ladd – Nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto (1991)

Nominada a la Mejor Banda Sonora de los premios BAFTA (1991)

Palma de Oro para David Lynch en Cannes (1990)

Nominada a la Mejor Película en Fantasporto (1991)

Diane Ladd – Nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto (1991)

Premio a la Mejor Fotografía en el Independent Spirit Awards (1991)

Willem Dafoe – Nominado al mejor actor de reparto en el Independent Spirit

Awards (1991)

Reparto :

Sailor Ripley Nicolas Cage

Lula Fortune Laura Dern

Bobby Peru Willem Dafoe

Marietta Fortune Diane Ladd

Johnnie Farragut Harry Dean Stanton

Perdita Durango Isabella Rossellini

Juana Durango Grace Zabriskie

Marcelles Santos J.E. Freeman

Cousin Dell Crispin Glober

Reggie Calvin Lockhart

Banda Sonora :

1. Im Abendrot ( Excerpt) - Gewandhausorchester Leizpig

2. Slaughterhouse - Power Mad

3. Cool Cat Walk - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

4. Love Me - Nicolas Cage

5. Baby Please Don't Go - Them

6. Up In Flames - Koko

7. Wicked Game - Chris Isaak

8. Be- Bop A Lula - Gene Vincent And The Blue Caps

9. Smoke Rings - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

10. Perdita - Rubber City

11. Blue Spanish Sky - Chris Isaak

12. Dark Spanish Symphony Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

13. Dark Spanish Symphony (50's Version) - Rubber City

14. Dark Lolita - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

15. Love Me Tender - Nicolas Cage

TRAILER

Seguramente no es la obra maestra del maestro Lynch y seguramente los maravillosos actores que aparecen en ella han hecho mejores interpretaciones, sin duda muchos de vosotros ni siquiera habréis oído hablar de ella, algunos la detestareis, pero tengo la esperanza de que a alguien le haya gustado.

Este post podría ser una excusa para hablar de Lynch, al que idolatro desde... bueno, desde siempre creo. Pero tengo claro ya tenéis una idea respecto de él y su obra y lo que yo pueda decir resultaría innecesario y obviable.

La primera película que me atrajo de Lynch fue The Elephant Man aunque no entendiera nada y me acabase dando yu-yu, estrenaron Eraeserhead y tendréis que creerme si os digo que era demasiado pequeña para enterarme... supongo que con Los Rescatadores tenía bastante, tampoco me perdí Blue Velvet, cruda y lírica a la vez, pero desde luego Wild at Heart es una de las películas de mi vida. Tal vez La Película.

Es la película que más veces he visto, en el cine, (los dvd’s no cuentan) en v.o., doblada, en sesión de tarde, de noche y golfa, acompañada, en grupo y sola.

Y no me cansaría de visionarla una y otra vez, de perderme en ese mundo irreal (o hiperrealista) en el que Sailor y Lula recorren el camino de baldosas doradas en busca de un lugar donde ser felices.

Todas y cada una de las escenas son destacables y es difícil señalar una por encima de otra : la salida de la cárcel de Sailor, la madre de Lula, el accidente de coche, la visita de Bobby Peru, la galeria de secundarios bizarros que nunca puede faltar, la mirada turbia de Perdita en medio del desierto, la cerilla que se enciende una y otra vez, los excelentes diálogos, la chaqueta de piel de serpiente, la música, el hada buena…

Dando un giro de tuerca a la novela de Barry Gifford para encajarla en su sobrecogedor imaginario, Lynch crea una de sus obras más románticas y tiernas, un love-story con final feliz, sin traicionarse a si mismo.

Así es como yo la entiendo.

Pero también podría catalogarse de road-movie, con sexo explícito y violencia gratuita. En España se le colgó el cartelito de ‘mayores de 18’, en EUA directamente se cortaron escenas.

En fin, para aquellos que a veces preguntaban, ahora ya sabeis quien es Lula.

NOTA DE LA JUNTA

Si quereis incluir fotos en el post no las añadais en el texto que enviais. Enviadlas aparte e indicad en que lugar del texto deben ir. Si no no se podran incluir.

EL DIA DE LA MARMOTA (Atrapado en el tiempo) by Patty

2007-11-04T20:02:00.000Z

“Groundhog Day”

Título en Europa : “Atrapado en el tiempo”

Título en Latinoamérica: "El día de la marmota".

AÑO: 1992

GUIÓN: Danny Rubin & Harold Ramis (Historia: Danny Rubin)

REPARTO: Bill Murray, Andie MacDowell, entre otros..

GENERO: Comedia romantica????

Ya dispuesta a escribir algo de esta película y preguntando al tío google sobre sus generalidades, lo primero que encontré es que estaba catalogada como “comedia romántica”, género habitualmente emparentado a productos de marcado carácter tontorrón o supérfluo, woooow realmente soy despistada (¿ó no?), yo nunca la hubiera clasificado así.

No crean que todo lo aquí expuesto es producto de mi cerebrito, en parte sí pero no todo, pero mi objetivo es que después de leerme les den deseos de verla (si es que no lo han hecho ya).

RESUMIENDO

Phil Connors (Bill Murray), hombre del tiempo de una cadena de televisión, es enviado un año más a Punxstawnwey, a cubrir la información del festival de El día de la marmota(*). En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, al levantarse, Phil escucha en el radiodespertador el mismo programa que la mañana anterior, ¡oh,sorpresa!, al día siguiente vuelve a ser 2 de febrero… Al principio todo parece una coincidencia, todo se repite exactamente igual. Asustado y confuso Connors pretende regresar a la gran ciudad cuanto antes, pero la tormenta de nieve se lo impide (obviamente, ya le había pasado). Y aunque piensa que todo es un mal sueño, sus peores pronósticos se hacen realidad al despertar y ver que es 2 de febrero, otra vez. Y lo peor de todo es que sólo él recuerda que ha vivido ya ese día, el resto del mundo no es consciente de que se está repitiendo un bucle continuamente.

En resumen de eso se trata, del bucle infinito en el que un hombre común y corriente se ve atrapado, es ahí donde empieza lo interesante y lo que la hace una de las mejores películas de los 90´s. (en mi opinión claro está).

Despedazemos al personaje central de la historia…

Phil Connors (Bill Murray) es un tipo egocéntrico, narcisista, petulante y superficial, uno de esos tipos que van por ahí creyendo que el mundo gira entorno a ellos, y que sólo para cuando a ellos les parece mejor.

En el transcurso de la película la transformación del personaje resulta, por momentos, demasiado sutil, en ella se percibe con meridiana claridad los consabidos cinco estadios de incertidumbre por los que pasaría cualquier individuo racional, a saber: negación, enfado, negociación, depresión y aceptación.

En los tres primeros vemos a un Phil tan lleno de odio y frustración consigo mismo que siempre termina recurriendo al ataque cínico para defenderse de los demás, incluida la mujer con la quiere practicar un sexo meramente egoísta y de salvación (MacDowell). A la vista de sus continuos fracasos con Rita (Simpática y sincera actuación de la fantástica MacDowell que, además de empapar la pantalla con su belleza, lo hace con su pasmosa naturalidad), Phil va acumulando un melancólico resentimiento que “estallará” en la fase depresiva y de suicidio. Aquí el Phil que hasta ahora habíamos visto en pantalla se disuelve gracias a un doloroso —y largo— viaje emocional que le obliga a enfrentarse consigo mismo.

Más adelante, en la memorable secuencia de la cafetería, donde un sosegado Phil le relata a Rita los pormenores de su tragedia existencial, puede advertirse cómo éste se ha despojado, por fin, de todos los artificios sociales que lo carcomían (estadio de aceptación). Phil ha logrado reconstruirse desde su fragilidad y se ha vuelto hermoso porque ya no huye de sí mismo. Es transparente. Es agua. Ya está listo para afrontar el mañana.

En último lugar, y a parte de destacar el montón de enormes gags que contiene, así como la originalidad para llevar a termino ciertos instantes de lo más humorísticos, también cabe resaltar ese loable intento de no vulgarizar ni ridiculizar el curso de la vida (el momento del vagabundo es un contundente y rotundo acierto, brillante), amen de la portentosa interpretación de un Bill Murray en un arranque de genialidad.

Como podrá apreciarse, "Groundhog Day" no oculta en ningún momento su carga moralista; sin embargo, la diferencia respecto a otros productos norteamericanos radica en que aquí el contenido ético no se encuentra ligado a un sistema bíblico-teológico, sino kantiano. De este modo, el último Phil no termina siendo un buen samaritano para contentar a un hipotético Dios, sino porque su propia razón como sujeto reconstruido así se lo exige.

CONCLUSIONES

Si, como Phil, tuviéramos la oportunidad de vivir el mismo día infinidad de veces, ¿cómo afrontaríamos la situación, sabiendo que una y otra vez nos despertaríamos en el mismo día, en el mismo lugar, con la misma gente y los mismos sucesos y acontecimientos repetidos continuamente? ¿Si supiéramos que eternamente vamos a vivir ese día? ¿Qué haríamos?
Lo que más me ha fascinado ha sido el hecho de que se muestra una gran verdad acerca del ser humano: que es el único ser vivo que tropieza dos veces con la misma piedra. Y no sólo dos veces, y tres veces, y montones de veces antes de comprender el verdadero significado de la existencia, de todos esos pequeños detalles que marcan la diferencia entre una vida mediocre, superficial y vana, y una vida plena, honesta y feliz.

En definitiva, hermosa, bellísima, magnífica, brillante, preciosa, dulce, lúcida, intensa, mágica, graciosa y un montón de adjetivos que me dejo, en el fondo, y que no harían más que seguir señalando lo que ya he dicho hasta ahora.

REFERENCIAS DEL DIRECTOR (Harold Ramis)

La película de Ramis es rebosante de referencias para todos los gustos:

- Eticas (la evolución desde el egoísmo más recalcitrante al altruismo más loable)

- Metafísicas (el dúo inmortalidad - eternidad)

- Literarias (¿Quién no rememora al Mr. Scrooge de “Cuento de Navidad” de Charles Dickens en la figura de Phil)

- Cinéfilas ( Bill Murray reencarnando una singular versión de James Stewart en “¡ Qué bello es vivir !” )

- Mitológicas (el castigo de Sísifo).

(*)¿En que consiste el día de la marmota? Tirando de WikiPedia veremos que dicha fiesta consiste en:

La más famosa se celebra en el pueblo de Punxsutawney, sito en el Estado de Pennsylvania; una pequeña población en la que cada 2 de febrero se intenta predecir la duración del invierno por el comportamiento de una marmota,

EL GRAN LEBOWSKI by Joan CG

2007-10-14T23:20:00.000+01:00

Hay películas cuyo inicio ya me atrapa y El Gran Lebowski es una de ellas.

EL GRAN LEBOWSKI (Inicio)

Bueno, pues para ese uno por mil que todavía no ha visto esta peli de los Coen, hecha en el 98, o que si la ha visto ni la recuerda (¡pecadores!), eso va de una triller-comedia, por decir algo (porque no es fácilmente clasificable), en la que tres desubicados de la vida cumplen ese triste papel que mi madre definía como “són al mòn perquè hi hagi de tot”.

Todo y que yo exijo que una película sea por encima de todo una buena historia bien contada, la verdad es que el argumento se aguanta con hilos y es solo una excusa para ir escupiendo imágenes dibujando extraordinariamente, con delicadeza y humor, un clima y unos personajes entrañables.

Ese gueto social de la bolera……..

Esos frikis felices (o quizá no tanto) pasando las horas tumbando bolos y sobando sus bolas….

Ese Los Angeles cálido y mastodóntico en el que puede pasar de todo….

Ese encontronazo entre el mundo del dinero, las trampas, la violencia y la sofisticación con el mundo de tres zumbados sin más intereses que el puro vegetar……….

Esos tripi-sueños………

- Jeff Bridges: El Nota, anclado en cuerpo y alma a los 60, veterano activista, vago, bebedor compulsivo de ruso blanco, ritualista del porrete en la bañera (con velitas) y del tripi ocasional, que se ha puesto el mundo por bolera y vive y deja vivir pero, eso sí, capaz de enfrentarse a todo y a todos por recuperar su bien más preciado: su alfombra (simplemente “porque daba ambiente a la habitación”).

- John Goodman: Walter, un hombre de orden (el suyo), primario y sometido intelectualmente a El Nota, sin otra agarradera al mito y a lo trascendente que el barro en la guerra de Vietnam y el haber estado casado algún día con una hija del pueblo de Israel.

- Steve Buscemi: Donny, callado, gregario y feliz de ser un infelizote que no molesta a nadie.

- John Turturro: ¡Jesús!, el latino/chulo/pederasta/macarra, en un par de escenas de las más delirantes que en cine yo haya visto. Increíble que un tipo de Broklyn como Turturro sea capaz de meterse en los zapatos de Jesús con aquella naturalidad…..

- El regordete vecino del Nota, un casero en pantalón corto, zapatos y calcetines, amante del ballet contemporáneo.

- Y los “nihilistas “: mamporreros y chapuceros alemanes, con castor cometrancas; uno de ellos Flea, de “Red Hot Chili Peppers”.

- Y un genial Ben Gazzara en su papelito de filósofo de la pornografía y del “desatascador”.

Y muchos más, oigan, como en la tómbola.

Todos ellos personajes entrañablemente próximos, inocentes y cotidianos, como los croissants o el tortellet con nata al salir los domingos del vermouth de las doce, campando por una historia con poca historia, pero haciéndose querer.

En fin, que ustedes la vean y pasen un buen ratito con esta peli ligera y espumosa, cometiendo la grosería de reír, que de eso se trata

LA SIRENITA, by SUBCOMANDANTE ANTONIO

2007-10-07T22:01:00.000+01:00

(Contiene spoilers sobre pelis porno)

Cineblog de Palacete da hoy una vuelta de tuerca (tour of the tuerk, en inglés) y tratará no sólo un filme en particular si no un género en general:

EL PORNO.

Oh, el porno.

Decía el otro día Raimon, haciéndose voluntario merecedor de la colleja más sonora jamás dada: "vista una, vistas todas”.

Y una mierda.

Nunca dio para tanto un bucle tan definido como: uno, limpieza de sable; dos, amorramienta al pilón; tres, trufada de pavo; cuatro, ensanchamiento y rotura de maletero; y cinco, lechazo in the face (nótese así mismo la contribución del género al Thierry Henryquecimiento del léxico castellano).

Pongo en ON el modo Subcomandante cebolleta y les cuento que, a la temprana edad de diez o doce años, mi vecino (de mi misma edad, ojo) vino un día a mi casa contándome que se había hecho con una cinta vhs muy sospechosa de la habitación de su hermano.

Poco imaginaba yo poraquelentònses que el título de aquella cinta iba a quedar tatuado para siempre en mi memoria:

Dos mujeres y un marido.

El plan trazado fue de lo más urdido y concienzudo (nótese la nula originalidad del autor a la hora de adjetivar "plan")

Aprovecharíamos una ausencia de sus padres para verla.

Llegado el momento, lo que vi aquel día fue una de las experiencias más paranormales de mi vida: ¿realmente ESO podía hacerse? ¿Por qué aquel tío la tenía como mi brazo? Y, lo más grave, ¿por qué yo la tenía como su meñique?

A fuerza de visionados y desgaste de cabezales, una realidad algo distorsionada se fue forjando en mi mente:

a) bastaba con guiñarle el ojo a una chica para follársela y

b) los preliminares son milongas de la COPE.

Pajote aquí, pajote allá, el tiempo fue pasando, hasta que una nueva puerta se abrió ante mi generación para facilitarnos enormemente la vida y evitar riesgos innecesarios:

Internet.

A servidor le pilló en su apogeo pajerístico: los dieciséis. Recuerdo como, con mi modem 33600 y una conexión más lenta que un central negro del Barça, esperaba pacientemente a que se cargara la foto de un chochamen en primer plano, talega en ristre. Luego llegarían las primeras pelis en CD, que aceleraron enormemente cualquier proceso oNaNístico.

Por otro lado, la educación sexual en las escuelas debería palidecer de vergüenza al compararse con las virtudes pedagógicas del porno. Yo, como todos, no pensaba precisamente en "introducir pene y glande en vagina y fecundar óvulo " con la novieta de turno.

Tres meses de gilipolleo y algún "te quiero" más tarde, llegaría el gran día, aquel en que pondría en práctica las enseñanzas de tantas y tantas pornacas y pondría a Lucía mirando a Cuenca.

El plan era facilísimo, a priori: nos empezaríamos a besar en el sofá mi habitación (como en "Indiana Jones Y El Rabo Maldito"), me empujaría contra la cama (como en "Fue a por trabajo y le comieron lo de abajo"), me arrancaría los gallumbos a bocados (como en "El Conejo De La Bruja De Blair") y se amorraría al cimbrel mirándome a los ojos (como en "Si Yo No Soy Curro Jiménez, Qué Hago Con Este Trabuco")

Seguidamente, le haría una limpieza de bajos (como en "Soy puta y mi coño lo disfruta") para, momentos después, chachannn, empujármela (como en "Mujeres Al Borde De Un Ataque De Miembros"). Con un poco de suerte, habría sexo anal (como en "Arma Rectal") y finalmente, happy end (como en "El Cid Porculeador").

Lo que pasó realmente, en otro post.

En fin, que desde aquí agradezco tantos buenos ratos y mando un fuerte abrazo a toda la industria porno, y especialmente a Silvia Saint, culpable sin embargo de mi artritis crónica en la muñeca de mi mano de las pajas.

Y, a los chavalines que nos leen (haberlos háylos), decirles que no saben la suerte que tienen de poder ver porno incluso en sus Ipods, en la intimidad y cobijo de su habitación, lejos del riesgo contínuo que corríamos mi generación, con una oreja puesta en la pornaca y otra en la cerradura de la puerta de la calle, por si venían los papis.

Y eso sin contar el pavor que daba sólo imaginar que algún día la cinta podía quedarse enganchada en el vídeo. De hecho, ¿quién no tiene un amigo al que le haya pasado?

LA PRINCESA PROMETIDA by Dr.Be

2007-10-01T19:16:00.000+01:00

(Creo que me va a salir un buen tocho).

La primera peli que se me vino a la cabeza cuando se inauguró el blog fue, no sé por qué, Star Wars II "El ataque de los clones". Pero enseguida deseché la idea, porque no valía la pena escribir sobre ella sólo para declararla como un infumable engendro, la peor peli de aventuras en la era de los efectos digitales, los diálogos más simples desde Barrio Sésamo.. .Preferí pensar en positivo, pero descarté mi peli preferida ("Casablanca") por obvia, y otra obra maestra, "La evasión" de Jaques Becker, por poco conocida.

De vuelta al cine de aventuras, enseguida vino a mí "La princesa prometida" excelente película, sobria y sin pretensiones, con un guión redondo en el que cabe todo - comedia, romance, aventura, fantasía, política... Basada en una no menos excelente novela de W. Goldman, la historia cuenta cómo Westley debe rescatar a su amada, prometida a un malvado príncipe sin escrúpulos que quiere utilizarla como excusa para comenzar una guerra con el país vecino. Para ello mezcla el cine de piratas con el de capa y espada, la fantasía, la brujería, y por supuesto el amor (sin llegar a ser nunca empalagosa, de eso se encarga el nieto enfermo al que su abuelo está explicando el cuento); y todo ello aliñado con un humor desenfadado y ligero muy adecuado al tono general de la película. Un tono muy clásico que es de agradecer, sin estridencias ni momentos efectistas, sin trampas, y con un ritmo que no decae nunca. (Hasta los interludios con las explicaciones del abuelo están bien puestos). Esgrima, lucha, torturas, veneno, gigantes, persecuciones, milagros, odio, amor verdadero... No está mal para una peli en la que el protagonista muere a los 10 minutos!!

La película sirvió para descubrir a una joven Robin Wright (a la postre Wright-Penn para suerte de su marido), que me funde con esa mirada traviesa cuando baja del caballo y le manda a Westley llevarlo al establo y cepillarlo (que no cepillársela a ella; eso vendrá luego). Cary Elwes, en cambio, ha hecho poquitas cosas destacadas después, aunque está perfecto en su papel de aventurero valiente y cínico al que la vida ha tratado mal. El resto del reparto también raya a un gran nivel, contenidos pero sin hacerte olvidar nunca que están en un cuento; excepto, como no, Billy Crystal, que incluso en un papel de curandero viejo y loco tiene que sobreactuar...

A destacar una correctísima banda sonora (cosa poco común en las pelis de aventuras en estos días aciagos para el género), compuesta por mi odiado Marc Knopfler, gran guitarrista y pésimo compositor de canciones pop, pero que se ha rehecho con hombría cuando de bandas sonoras se ha tratado. Dos momentos cumbres en ella: la lucha a espada entre Westley y Montoya (perfecta la sincronización de los movimientos de esgrima con la música); y la canción "Friend's song" cuando Fezzic y Montoya se hacen amigos rimando durante su singladura hacia los Acantilados de la Locura.

Todo ello da lugar a un precioso y entretenido cuento de hadas para los que creemos en ellas (recordad que cada vez que decís "las hadas no existen", una de ellas muere). Un cuento optimista para niños y no tan niños que, sin aburrir ni sermonear ans al contrari, enseña el valor de la amistad, del valor, de la perseverancia, del mens sana in corpore sano. Y es que el amor siempre vence.

la peli

la peli (extended)

el libro

HOY NO HAY NADA

2007-09-23T15:40:00.000+01:00

Esta semana no hay película.

Así que os dejamos unos pocos enlaces para que disfruteis de grandes obras del 7º arte:

Top Secret - Zucker/Abrahams/Zucker

Raiders of the lost ark - Steven Spielberg

Tommy - Ken Rusell

El Halcón Maltés - John Houston

Apocalypse Now - F.Ford Coppola

Pues con ésto y un bizcocho hasta la semana que viene.

TERMINATOR 2 by Corser

2007-09-17T18:38:00.000+01:00

Pues si amigos, no es ninguna visión, ni el efecto de ninguna sustancia psicotrópica ingerida, ni de llevar una taja considerable: por fin en este blog, una película en COLOR, de no más de 20 años de antigüedad y que sus actores / directores no estén jubilados o muertos: Terminator 2: Judgement Day. Un filme que marcó a los de mi generación y que supuso un antes y un después en lo que a efectos especiales se refiere. Ver salir al T-1000 de entre las llamas con su apariencia original de metal y recobrar el aspecto humano, surgir de una baldosa metamorfoseándose en el poli bigotudo o a Gobernator –quien nos lo iba a decir- disparando la majestuosa chailgun contra los coches de policía con el resultado final de 0 Bajas Humanas, entre otras cosas, me dejó alucinado a mis 11 tiernos años y que se ha convertido en un clásico a mis 26 y en la película que mas veces habré visto. Una obra maestra, a mi juicio, del género de acción y ciencia ficción. Al lío:

James Cameron afrontó en 1990 el desafío de hacer la secuela de "The Terminator", película que fue elogiada por prácticamente todos los sectores de la crítica e inmortalizada por el público como un clásico de la ciencia ficción; si bien es cierto que no tuvo un gran éxito de taquilla, si triunfó de manera palpable entre las masas en su edición posterior en cinta. El resultado fue "Terminator 2: Judgement Day", que tomó por asalto los cines de todo el mundo un año después, convirtiéndose, ahora sí, en un enorme éxito de taquilla. Con un presupuesto de aproximadamente 100 millones de dólares, esta película es más extensa que la primera, y cuenta con efectos especiales más complejos y verdaderamente asombrosos para la época.

La historia, que transcurre 10 años después de los acontecimientos de la primera parte, nos trae diversas sorpresas, entre las cuales la más destacada es el pase del personaje de Arnold Schwarzenegger (posiblemente en su mejor interpretación) al bando de los buenos, pese a que argumentalmente sigue la misma idea: Exterminador cibernético enviado desde el futuro, programado para eliminar a John Connor (hijo de Sarah Connor, fruto de la relación que mantuvieron su madre, y el soldado que el propio John manda desde ese futuro para protegerla del primer Terminator, en la primera entrega), el líder de la resistencia humana en un aterrador porvenir dominado por la máquinas, con Skynet (Un ordenador inteligente desarrollado por el Dr. Miles Bennett Dyson a partir de la tecnología futurista que le aportaron los restos de ese primer Terminator, el cual cobra conciencia de sí mismo) a la cabeza.

El papel del villano le toca esta vez a Robert Patrick, quien logra imprimirle a su personaje un aspecto auténticamente amenazador. Este nuevo Terminator (el T-1000) es más sofisticado que el ya conocido T-800, y posee capacidad para transformarse en otras personas. Tenemos entonces, por un lado, un exterminador más implacable y difícil de destruir (su cuerpo de metal líquido absorbe las balas y se recupera de sus marcas instantáneamente). En la otra esquina, el viejo modelo 101 de Cybernide Systems, que tendrá la ardua tarea de proteger a Connor de dicha amenaza.

En esta película, Cameron nos brinda ráfagas de acción sobrecogedora, suspense y drama, pero también encuentra lugar para algunos momentos cómicos. Esto y el hecho de que el personaje de Arnold aparezca más "humanizado" (gracias a las ‘enseñanzas’ que le proporciona Connor, haciendo célebres frases como ‘Volveré’, ‘Confi, tio’ o ‘No problemo’) permiten pensar que "Terminator 2" es, comparativamente, menos oscura que su predecesora. Sin embargo, logra transmitir de forma más palpable la inminencia del fin (el sueño apocalíptico de Sarah Connor es estremecedor) y nos hace reflexionar sobre la naturaleza humana y el valor de la vida.

Mención aparte merece la gran banda sonora, cuyo tema principal compusieron los grandísimos Guns’N’Roses, que se encontraban en la cima en aquella época.

En definitiva, un referente del género que me mantuvo pegado a la butaca durante las aproximadamente 2 horas que dura con la boca abierta, me emocionó con su final y que provocó que la venta de gafas de sol, chupas de cuero y motos chopper aumentara de forma considerable.

Sayonara, Baby!

THE COMMITMENTS by Àlex

2007-09-09T18:00:00.000+01:00

¿Quién no ha querido formar parte de una banda de rock? Pues eso, unos pocos lo consiguen y otros simplemente aspiramos a ello.

Sobre este deseo se basa mi admiración por esta película de Alan parker. “The Commitments” es una de las mejores películas sobre música jamás hecha. En un barrio de los suburbios de Dublín, el joven Jimmy Rabbitte decide que montará una banda de soul. ¿Por qué soul? Pues porque como él mismo dice, el soul es la música de la clase trabajadora. Así que pone un anuncio y hace unos castings para buscar músicos. Tras reunir a una banda, se ponen en marcha para hacer una serie de conciertos que acabarán con la disolución de esta. Hasta aquí, es una película sobre un grupo como cualquier otra, pero lo que hace de esta una gran película, es como nos muestra las relaciones entre los componentes del grupo. Entre ellos destacan el cantante del grupo, Deco (sigh), un verdadero cabrón, mujeriego y feo pero que tiene una voz prodigiosa; el trompetista Joey, vieja gloria curtida en mil batallas que aparece enviado por el Señor para guiarles y el mismo Jimmy Rabbitte que les hace de representante, el trio de coristas a las que todos quieren repasarse y el colega agresivo que pasa a tocar la batería. Las relaciones entre ellos y su forma de vida son un fiel reflejo de la sociedad irlandesa de los 80. Esa realidad que Alan Parker retrata como nadie puede hacerlo.

Además la película respira un aire de camaradería, de ganas de triunfar en la vida, de luchar por lo que uno quiere conseguir, con ese regusto final amargo que te da la derrota. Pero esta derrota es lo que le da un toque romántico, los triunfadores están sobrevalorados.

Otro punto a destacar es la banda sonora. Clásicos del soul recuperados y versionados en directo por el grupo de actores, porque sí, los mismos actores eran los músicos que interpretan los temas de la película. De entre todos hay que destacar a Andrew Strong, Deco, el cantante, voz rota, negra, con una fuerza poco común en un blanco, sin duda el personaje más carismático de la película, porque aunque es detestable, no puedes dejar de admirar a ese cabronazo con la voz de oro. Los dos cd’s de la banda sonora seguramente habrán tenido mucho más éxito que la película, y son altamente recomendables.

Para finalizar, una frase, la frase de la película, que le dice Jimmy a la banda cuando estos le preguntan el por qué de hacer soul si es música de negros: “Los Irlandeses somos los negros de Europa; los Dublineses somos los negros de Irlanda; y los del Barrio Norte somos los negros de Dublín”

HALLOWEEN by Dr.Jota

2007-09-02T20:08:00.000+01:00

Halloween, John Carpenter (1978)
El inicio de los 'slashers' en el cine

Michael Myers es el Mal Absoluto. Así, con mayúsculas. O al menos de este modo lo concibió su creador, el director y guionista John Carpenter, cuando ideó la trama de un perturbado que se escapa del manicomio durante la festividad de Halloween para regresar a su pueblo con el fin de degollar a unos cuantos adolescentes en celo. Que de niño tuviera un trauma con las máscaras o con su lasciva hermana es lo de menos. De hecho, hasta que se llame Michael Myers es lo de menos, pues lo que Carpenter pretendía era presentarnos a una reencarnación de Satán en la tierra. Sólo así se explica que no muera nunca, ni siquiera cuando le clavan una aguja de coser en el cuello o cuando le pegan cuatro tiros a bocajarro y lo tiran desde el balcón de una casa. Myers es un ser sobrenatural, es el Demonio, es un concepto mefistofélico más que una persona. Atentos a los diálogos que el Dr. Loomis (Donald Pleasance) tiene con una de las enfermeras del centro:

Marion Chambers: Don't you think it would be better if you referred to "it" as "him"?
Dr. Sam Loomis: If you say so.
Marion Chambers: Your compassion's overwhelming, doctor.

En efecto, Loomis no habla de Michael como si éste fuera una persona, sino como si fuera un monstruo, una entidad abstracta cuyo único fin sea hacer el mal. No está mal, teniendo en cuenta que se trataba de su psiquiatra. Pero justamente en ello radica lo mejor de la cinta: Michael con su lento andar (aunque siempre atrape a sus víctimas), con su silencio, con su mirada vacía en el único momento en el que le quitan la máscara, con su sadismo automatizado... Impecable la labor de Carpenter a la hora de imaginar semejante psicópata e impecable la forma que tiene de narrar el suspense de la acción: prácticamente no hay una sola gota de sangre en toda la película (al contrario de lo que muchos piensan) porque Myers tiene muchos recursos a la hora de asesinar: en un caso estrangula a una chica con el cable del teléfono, sin mover ni un ápice un solo músculo de su cuerpo mientras la muchacha se debate y patalea como una posesa. Pero la tensión se halla presente en cada segundo de la cinta, merced a esa cámara subjetiva que va siguiendo a la pobre Jamie Lee Curtis desde el principio del argumento, esos silencios insoportables, esas sombras entrevistas en el fondo del plano y, cómo no, esa máscara inexpresiva que tanto pavor causa aún hoy en día. Una máscara hecha con el molde de la cara de William Shatner, el Capitán Kirk de 'Star Trek' o, más recientemente, el Denny Crane de 'Boston Legal', dicho sea de paso (apunte para los enfermos al medio catódico). Y todo ello subrallado con la fantasmagórica musiquilla de piano compuesta por el propio Carpenter, una tonadilla insistente y reverberante que se te mete en la cabeza y no te suelta hasta mucho después de haber visionado el film. Fascinante y, a la vez, pone los pelos de punta. Toda una lección magistral sobre cómo aterrorizar al personal con cuatro duros y un pulso maestro a la hora de llevar la cámara y montar los planos.

Como dato final, simplemente decir que hasta que salió el bodrio de Blair Witch esta película fue el film independiente más rentable de la historia. Que después haya sido imitado miles de veces y que muchos psicópatas de celuloide nacieran a su vera (¿verdad, Jason?) no le quita para nada la originalidad a esta historia, eternamente mancillada con infumables secuelas de las que, con muy buen criterio, Carpenter se desentendió (aunque aún sigue cobrando royalties por ellas). Este verano en USA el infumable Rob Zombie estrena un remake de este clásico, y el hecho de que le dedique más de media hora a la infancia de Michael ya deja bien claro que el muy inepto no ha entendido nada: a Michael Myers no se le humaniza. Myers es el Mal Absoluto.

Cada vez que en un film vean al malo levantarse del suelo para pegar un susto final a pesar de que lo hayan acuchillado, ahorcado, cercenado y cosido a tiros, ya saben a quién tienen que agradecérselo. No se lo tengan en cuenta si son malas copias: acudan a la fuente original y el escalofrío que les recorrerá la espina dorsal será de lo más genuino.

LAS PELÍCULAS FAVORITAS DE LA JUNTA (1)

2007-09-02T20:06:00.000+01:00

Iniciamos aquí una serie de comentarios sobre las películas favoritas de la Junta Gestora del blog. Hoy:

ORDET (La palabra) 1955 - Carl Theodor Dreyer

No tengo palabras para describir el éxtasis que experimenté la primera vez que vi esta película. Fue en televisión. Eran mis primeros pasos en el mundo del cine, allá por el 93 (o 94, o 95, o 96 no recuerdo ¡y que más da!) y el primer programa de J.L.Garci “Que grande es el cine”. No podían empezar mejor ambas singladuras. Fue tal el shock que recibí que desde entonces Carl Theodor Dreyer se convirtió en uno de mis directores de cabecera junto a W.Allen, J. Houston, K.Mizoguchi, S.Spielberg y Mariano Ozores, entre otros. En segundas y terceras (y cuartas y quintas revisiones) mi admiración fue creciendo y no solo en el aspecto estético si no en un ámbito más profundo.

Cuenta la película la historia de dos humildes familias danesas enfrentadas por motivos religiosos, en concreto la concepción de dios que cada una tiene. Entre medio, el amor entre el hijo y la hija de una y otra familia, la locura de Johannes y la crisis religiosa que sufre una de las familias a causa de la muerte de una de las protagonistas.

Pero más allá del retrato que realiza el maestro danés de la religión, sus íntimas manifestaciones y los conflictos que ésta genera en lo más profundo de las personas mi lectura es la de una exaltación de la fe sin parangón en el cine. Y si a primera vista parece un alegato a la fe religiosa (no en vano Dreyer es un maestro en la representación de la religión en el cine como acto íntimo y personal) mi lectura es más general (y prosaica si queréis). Es la fe lo que mueve a las personas y la creencia profunda de que las cosas sucederán. Tener fe es primordial para tirar adelante en cualquier proyecto, sea vital, profesional o llamadlo como queráis. Tener fe es básico para creer que todo lo que hacemos llegará a buen puerto. Luego la vida ya se encargará de tumbarnos cuando menos lo esperemos, pero sin esa fe no daremos el primer paso ni el segundo.

Dicen que la fe mueve montañas, tal es su poder. Pero insisto, no me refiero a una fe religiosa si no más bien a la fe que podamos tener en nosotros mismos y en los que nos rodean que nos dará el empuje necesario para poner en marcha nuestra vida, nuestras ilusiones, nuestros proyectos.

La secuencia final del milagro es una muestra del poder de la fe. Tan solo Johannes, el “loco” que se cree Jesús, y la hija de la fallecida tienen fe suficiente para creer en la resurrección de la finada. La fe del que es despreciado por no tener un comportamiento estandar pero que cree en si mismo como no lo hacen los demás y la fe de la inocencia infantil que cree que todo puede pasar solo con creerlo y desearlo.

En el aspecto formal de la película remarcar la austeridad de la visión cinematográfica que tiene Dreyer patente ya desde sus primeros trabajos y que alcanzaría su cenit en “Gertrud” (1964) obra póstuma y considerada su mejor película. Pero no se trata solo de una austeridad en cuanto a elementos fílmicos o escénicos (que también) si no en relación a la expresión de unos sentimientos que parecen contenidos pero que retratan perfectamente la psicología de unos personajes torturados por el tambaleo de su fe. Los diálogos, reducidos a su mínima expresión, expresan solo lo que es vital para el desarrollo de los personajes y de la película. No hay frases superfluas ni innecesarias. Todo está puesto y dicho para que los personajes evolucionen hasta el clímax final representado en el milagro.

Se podrían explicar muchas más cosas tanto a nivel cinematográfico (como el uso del plano secuencia, los movimientos de cámara, el espacio escénico, etcétera) como a nivel temático (Kirkergard, puritanismo, intransigencia…) pero no es esa la cuestión que me ha llevado a comentarla. FE, y solo eso, es lo que nos mueve y nos puede hacer alcanzar los deseos y anhelos que todos tenemos. Tened fe y triunfareis, aunque solo sea a nivel personal.

Os enlazo los 8 minutos finales. Si conseguís pasar del segundo minuto sin dormiros lo consideraré un éxito. Si no, no os preocupéis, ya vendrán otras películas más divertidas.

ORDET

NUEVA TEMPORADA

2007-08-16T20:28:00.000+01:00

Después de las vacaciones volvemos con nuevos aires. Nueva plantilla, nueva sección y nuevos comentaristas son los principales alicientes.

La nueva plantilla no es nada del otro mundo pero puestos a cambiar escogimos la que más nos gustó. Si, vale, estabamos algo borrachos y/o drogados pero no es menos cierto que queda muy bien y tiene un color agradable a la vista (deformada y trastornada) de nuestros participantes.

Hemos aprovechado la ocasión para ampliar la barra lateral con nuevas secciones como links a los blogs de nuestros clientes, amigos y conocidos; enlaces a páginas de alto interes cinematográfico (que no creemos que reciban muchas visitas a traves de este blog) y enlaces a los videos que iremos incluyendo en la nueva sección: Las películas favoritas de la Junta.

Es ésta una sección creada para mostrar las peliculas que más han cautivado a los miembros de la Junta sean por la temática, por la estética o por que simplemente nos gustan o divierten. Será una sección quincenal, más que nada para no quedarnos sin cartuchos a los dos meses, y que también aceptará los comentarios de los distnguidos clientes aun a riesgo de ser motivo de burlas varias.

Finalmente, damos la bienvenida a las nuevas comentaristas que se suman a la lista. Empezando por Patty, nuestra querida salvadoreña, que se suma a la ya larga lista de afamados críticos provenientes del Palacete, cuna de insignes comentaristas y revisionistas del mejor cine. Del mismo modo se cuela en la lista Lula que con su sapiencia y gracejo caractéristicos nos hará partícipes de sus películas favoritas. Y cogiendo el puente aereo BCN-SFO nos alumbrara MJ, nuestra enviada especial en Santa Cruz (USA), con sus preferencias cinematográficas.

Y para continuar con la principal actividad del blog el domingo tendréis la oportunidad de leer la crónica de nuestro querido Dr.Jota que no dejará de sorprendernos como en él es habitual, además de la primera entrega de Las películas favoritas de la Junta.

Gracias por vuestra atención y esperamos que la nueva temporada sea tan exitosa y fructifera como lo ha sido la pasada.

LA JUNTA GESTORA

CERRADO POR REFORMAS

2007-08-02T10:44:00.000+01:00

Cerramos el blog durante el mes de agosto para acometer reformas en la fachada del local.

Sabemos que estos últimos tiempos hemos tenido un poco abandonado el sitio pero entre el trabajo y otros asuntos extra-laborales no hemos tenido tiempo de llevar las cosas del blog al día. Asi que aprovechando el parón estival que realizan el 90% de los participantes la junta gestora ha decidido cerrar las puertas, plantar el andamiaje en la fachada y cubrirlo todo con esa redecilla verde tan característica para regresar en septiembre con nuevos aires y un post de nuestro amado y admnirado Jota.

Hasta septiembre,
Junta Gestora

GLADIATOR by EDH68

2007-07-24T21:06:00.000+01:00

Pues nada, aquí estoy para presentaros una película que causó en su dia una profunda impresión en mi, tanto por su guión como por sus diálogos y célebres frases catedralicias, tanto por su reparto, principalmente un genial Russel Crowe como por su dirección; tanto por sus efectos especiales tan acurados y perfeccionistas como por su fantástica banda sonora. Pelicula del año 2000 galardonada con seis estatuillas por la academia y que ha hecho rebrotar el viejo cine basado en las historias épicas romanas ya iniciadas mucho tiempo atrás con otro gran clásico del celuloide como Ben-Hur del mítico Charles Heston.
Dirigida por, a mi juicio, gran maestro del cine contemporáneo Ridley Scott e interpretada por actores de la talla del ya mencionado Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Richard Harris, Djimon Hounsou, Derek Jacobi, Oliver Reed o Connie Nielsen, simplemente es una obra maestra que dada su intensidad incluso se me llega a hacer corta.
Bien, sin más dilación paso a continuación a repasar su trama muy por encima. La historia se centra en torno a un soldado romano (el general Máximus) que después de varias conquistas realizadas para el imperio desea retornar a su hogar. Marco Aurelio piensa en él como su sucesor al frente de Roma ante los celos del hijo del emperador (Commodus) que ordena la ejecución de Máximus y de toda su familia.
Nuestro protagonista se librará de la muerte y a través de una historia que da muchas vueltas regresará a Roma como esclavo, y en concreto como un gladiador al servicio de las huestes del imperio gobernado por el malvado Commodus, ahora nuevo emperador romano una vez muerto su progenitor. Después de haber escapado a la muerte, convertido en esclavo y entrenado como gladiador vuelve a Roma con sed de venganza.
Mientrastanto, su fama va creciendo y el pueblo romano encuentra en su figura a un nuevo ídolo ante la celosa mirada del César que encuentra en él a un cada vez más peligroso rival, una auténtica amenaza para el poder que ostenta. Nuestro héroe, el otrora general Máximus, en un apasionante final en el circo romano puede vengar la muerte de su familia acabando con la vida del emperador Commodus. El desafio final, ante la impertérrita mirada de los miles de romanos asistentes al duelo es de una crudeza y de un dramatismo exquisitos.
Al final el protagonista también muere, pudiéndose reunir con los suyos en la otra vida y habiendo recuperado su dignidad y honor como soldado al servicio de Roma, habiendo librado justa venganza ante su antiguo verdugo.

En definitiva, una excelente pelicula de un metraje aproximado de dos horas de duración.

ED WOOD by HRubesch

2007-07-15T07:19:00.000+01:00

El cine dentro del cine, un tema al que históricamente se ha recurrido para rodar muchas películas, algunas memorables, es de lo que trata este film dirigido por Tim Burton en el 94. Pero en este caso existe una diferencia muy notable, el protagonista de la peli encarna al que fuera escogido como "el peor director de cine de todos los tiempos", Edward D. Wood Jr.

Tim Burton narra con maestría, bastantes toques de ironía y comicidad, pero sobretodo con un respeto muy cariñoso, la vida y milagros de un presunto director de cine tan cargado de ilusión como falto de talento. Ed Wood, un fan incondicional de Orson Welles y cuyo hobby principal es ponerse los vestidos de su novia, consigue llevar a cabo el rodaje de una película sobre un hombre atormentado por su deseo de vestirse, primero, y convertirse, después, en mujer. Dicha película nunca se estrenó en L.A., "nadie se ha atrevido a estrenar esta puta mierda" le grita el productor, y en el resto del país fue un fracaso rotundo, lo mismo que el resto de películas que llegó a rodar.

A pesar de cosechar fracaso tras fracaso, Wood nunca abandonó su deseo de poner en práctica sus proyectos, para los cuales contó con un grupo de freakies que iba en aumento a medida que empezaba a rodar una nueva película. De la peña que acompañó a Wood en su patética carrera cinematográfica cabe destacar a Bela Lugosi, un mítico Drácula convertido en un yonqui setentero, gran interpretación de Martin Landau, Vampira, una presentadora de TV antecesora de Elvira, o el luchador Tor Johnson. Con tal particular helenco no es extraño que Wood filmara algunos bodrios como "La novia del Atomo" o "Plan 9 from outer space", película de zombies creados por unos extraterrestres disfrazados de caballeros medievales, con escudos con hachas y todo (grande Bill Murray).

Aprovecho este espacio para confesar mi gran admiración por uno de los directores de cine favoritos, Tim Burton, así como destacar la grandiosa actuación de Johnny Depp, gracias a los cuales pude disfrutar de las auténticas "Glen or Glenda" y "Plan 9 from outer space", verdaderas perlas del pre-freakismo actual. Buenas aportaciones de Sarah Jessica "Cara Caballo" Parker, Patricia Arquette y Jeffrey Jones.

YO HICE A ROQUE III by elcautivo

2007-07-09T18:16:00.000+01:00

(“No sé si chingarte u operarte del apéndice. Casi mejor lo primero”)

Para algunos será Los Bingueros, para los que no son fans de la pareja será Los energéticos pero para mí sin duda alguna Yo creé a Roque III es la cima de esa pareja de estrellas del cine español: Fernando Esteso y Andrés Pajares.

Yo creé a Roque III (1980) surrealista título donde se esconde una parodia a la saga de Rocky puede ser el punto culminante del cine de esa época creado por el prolífico Mariano Ozores: decorados de andar por casa, alguna tetilla suelta para vender más, chistes malos hasta la médula en un argumento simplón. En este caso Roque Tercero vive en casa de su amigo Federico, ya que a los seis años lo defendió de un chaval de siete y por eso Federico le está en deuda de por vida, a pesar de que ni su mujer ni su suegra lo soporten. Para librarse de el, y con ayuda del omnipresente Ozores establecerán un enfrentamiento de Boxeo entre Roque y Kid Botija, el campeón español.

A partir de ahí es empezar a reirse y no parar. Los gags son terriblemente malos, parecen chistes del No te rías que es peor, pero reconozco que es una de las comedias con las que más me he reído nunca: El golpe secreto de Roque: La roquina, La venta del detergente Pilón. La hilarante conversación made in Ozores del peso de Roque, los “cuerpos” que le ponen a Roque delante para hacerle creer que puede vencer al campeón, las nada veladas referencias a Rocky, la supuesta enfermedad del hijo de Esteso ese final donde Spoiler después de sacarle una lentilla a Kid Botija y arrearle una roquina declara ante toda España que nunca va a abandonar a su amigo
Federico Fin del Spoiler

Supongo que la mayoría de vosotros pondréis el grito en el cielo pensando como se puede hablar bien de esta película. Todo lo contrario. Yo creo que las películas de Pajares y Esteso han sido de las mejores de nuestro país. Han sido las únicas películas competitivas de nuestra industria, llenando una vez sí y otra también los cines. Y reconozcámoslo, ¿acaso son mejores las comedietas que hacen ahora Santiago Segura, Antonio Toledo o Javier Gutierrez? Así que os recomiendo ver esta película con la mente abierta y pasareís un buen rato. Eso sí, la mejor manera de ver el film es en VHS, preferentemente grabada de Telecinco (con logo antiguo y todo)

Take 1
Take 2

UNA NOCHE EN LA ÓPERA (A night at the Opera) by Galletitas Keksi

2007-07-01T15:23:00.000+01:00

De los hermanos Marx. Y con esto ya podría estar terminada la presentación.Pero seré buena (y menos original) y os largaré el rollo.

Realmente de los Marx se ha hablado mucho mucho y se conoce mucho mucho. En origen actuaban los cinco hermanos (en teatros de variedades): Groucho, Chico, Harpo, Gummo y Zeppo, pero estos dos últimos fueron abandonando la compañía, viéndose sólo a Zeppo en algunos papeles de galán (¿Un Marx de galán? Pues sí, daba la talla) y luego ya quedó el trío que todos conocemos.

Groucho era el ingenio rápido y vividor, algo grosero a veces, cabecilla del grupo. Chico era el inmigrante italiano, callejero y fullero. Su imitación del acento italiano consistía básicamente en añadir una “o” al final de las palabras. Harpo el mudo era el gamberro, el absurdo completo. A su lado, dando el contrapunto, Margaret Dummont. Siempre en papeles de dama rica y educada, perpetuamente sometida a los desplantes de Groucho, que la pretende por su dinero. Perfecta siempre.

Groucho es Otis B. Driftwood, que de alguna manera se convierte en representante de un tenor, que a su vez está enamorado de una cantante, y que se embarca con la compañía de ópera hacia Nueva York. De polizones se han colado Chico y Harpo, y de ahí la famosa escena del camarote sobreocupado, una de las más famosas. Las cosas se lían de muchas maneras, no querréis que os lo cuente todo, pero al final se arreglan, el tenor y la tenora pueden vivir su amor y etc. En casi todas las pelis de los Marx salía de fondo una tierna historia de amor imbricada en la trama absurda principal. En casi todas las pelis esa historia sobra.

La escena del camarote puede que sea la más conocida, pero también está la escena: “¿Quiere casarse conmigo? ¿le dejó su marido mucho dinero? Conteste primero a la segunda pregunta” o la de “la parte contratante de la primera parte será considerada como la parte contratante de la primera parte”. Me troncho solo de pensarlo.

Versión original: hay que ser muuuuuuy valiente para ver una peli de los Marx en versión original. Si bien la parte de Harpo se sigue entendiendo sin dificultad, el acento italiano de Chico y la agilidad mental y lingual de Groucho hacen que se pierdan cientos de miles de millones de juegos de palabras. Bueno, muchos. De todos modos, hay que decir que la traducción está bastante bien (o todo lo bien que se puede): como ejemplo, hay un momento en que Groucho presenta a Margaret y dice de ella “Princess of Whales”, es decir, que hace un cruce entre “princesa de Gales (Wales)” y “princesa de las ballenas”. Venga, chulos, a ver cómo lo traduciríais vosotros. En español queda en que Groucho la llama “príncipe de Gales”. Algo menos ingenioso, algo menos grosero también. Hale, no me acuerdo de más ejemplos de traducciones, pero recuerdo que algunos estaban realmente bien resueltos.

Os recomiendo también todas las demás pelis de los Marx. Y si podéis pillarla, “Plumas de caballo” (“Horse feathers”), que por algún motivo isconué, es de las menos disponibles; yo solo he conseguido verla dos veces. Allí es un profe de Universidad y en un momento dado canta aquello de “Sea lo que sea, yo estoy en contra”. Glorioso.

PS: Y no os quejéis, que dudé mucho entre esta y “The attack of the killer tomatoes” que, de todos modos, os recomiendo. Jisjisjis. Eso y dos huevos duros.

NOTA DE LA JUNTA: Podeis seguir opinando sobre vuestras preferencias de Agosto en el post anterior. Con el post de la semana que viene os haré mi propuesta que consistirá básicamente en
salchichas, huevos y salchichas con huevos.

Incomparecencia / Encuesta veraniega.

2007-06-25T19:21:00.000+01:00

INCOMPARECENCIA
Esta semana no hay crítica videográfica. El (ir)responsable que tenía la vez no ha hecho acto de presencia a la cita semanal con éste, nuestro videoclub.

Como medida disciplinar ha sido enviado al último turno. En caso de reincidencia será enviado a través del tiempo al Gol Sud, a la época gloriosa de los Boixos Nois, con la camiseta de Marañón.

ENCUESTA VERANIEGA
Con la llegada del verano los participantes de éste y otros blogs cierran la paradita para hacer uso de sus ¿merecidas? vacaciones.

Os pregunto: ¿Hacemos parada técnica durante Agosto y retomamos el asunto en Septiembre? o ¿preferis siguir durante la canícula agostina?

2001: Una odisea del espacio (2001: A Space Odyssey ) by Rai

2007-06-17T20:42:00.000+01:00

Encontaréis tropecientas mil páginas sobre ‘2001: Una Odisea del Espacio’. En efecto, ya se ha dicho todo y el argumento es bien conocido por todo el mundo.

Película dirigida por Kubrik a partir de una idea de Arthur C. Clark inspirada probablemente en el cuento ‘El Centinela’. Tras la película, Clark publicó la novela con el mismo título en lo que acabaría siendo una serie (Odisea Espacial) de 4 entregas.

Yo vi la película por primera vez hará unos 20 años (± 1986), en clase, durante alguna asignatura de estas raras y modernas que ponen para rellenar horarios y dar oportunidades a los profesores de la cantera. Jóvenes talentos, todo corazón y expertos en lidiar con la antisocialidad, que son barridos rápidamente por una jauría hambienta de adolescentes ociosos, sucios y maleducados.

En aquella época yo ya profesaba un asco sincero hacia la saga de StarWars y su argumento maniqueo y de cómic, y poder ver lo que parecía otro tipo de Ciencia Ficción la verdad es que me entusiasmó.

La película seguía siendo ciertamente rompedora pese a haber sido estrenada hacía ya casi dos décadas (1968). Esa estructura en tres actos separados mediante transiciones impactantes, esos incipientes y ‘artesanos’ efectos especiales, ese HAL 9000 en plan estelar, que deviene cruel y malísimo a medida que adquiere características humanas y acaba en una muerte dramática, y sobre todo ese argumento abierto y lleno de interrogantes te mantenían enganchado a la pantalla como si de un imán se tratara. Era una película diferente y repleta de detalles interesantes, que respetaba, además, algunos (no todos) de los principios de la física.

Una vez concluída la película tuvimos el típico e inevitable debate sobre el origen y significado de los monolitos, hombre vs máquina, destino de la humanidad, y la interpretación de ese final que para mí es de lo peor de la película.

Cada uno decía la suya. La mayoría se decantaba por explicaciones que tenían que ver con Dios y el destino ‘fatal’ del hombre. Otros, manteníamos que los monolitos eran piedras con muchísima mala leche enviadas por una civilización que castigaba a todo aquel que se acercaba a la piedra con la peor de las crueldades: obsequiarles con inteligencia y conciencia humana.

La lectura de las tres siguientes entregas escritas por Arthur C. Clarke nos vinieron a dar la razón, aunque sólo en parte, a los del segundo grupo. Vale la pena leerse la serie completa (aunque para series recomiendo mucho antes ‘La Fundación’ de Asimov, por ejemplo). Aquí van la 2ª, 3ª y 4ª novelas de la serie:

‘2010: Odisea Dos’ (1982) (convertida en pesada película en 1984, ‘2010:El Año en que hicimos contacto’)

‘2061: Odisea Tres’ (1987)

‘3001: La Última Odisea’ (o también ‘3001: Odisea Final’) (1997)

RAMBO (Rambo: First Blood Part 2) by Capitán Fórceps

2007-06-10T13:02:00.001+01:00

Hablar de RAMBO es hablar de amor y de guerra, de guerra y paz, de John y de RAMBO.

¿Por dónde empezar a evaluar a un clásico a la altura de "El tercer hombre que sabía demasiado" o "Fimosis"?

Despega la historia en un monasterio tibetano, cuando John recibe la llamada de Truman, un oficial al que une una enorme amistad, no insinúo que homosexual ni nada, ojito.

Al parecer, debe ir....coño....¿me estaré liando con RAMBO III? Vamos, que no recuerdo exactamente si debe ir a Vietnam a rescatar a unos prisioneros de guerra o si, bien al contrario, debe ir a Afghanistan a rescatar a unos prisioneros de guerra.

En cualquier caso, a partir de esa prometedora premisa, John debe ir a una zona boscosa, que triangulo será Vientam o Thialandia, a buscar prisioneros de guerra, punto de partida único en la historia del cine.

Con gran habilidad y desembolso de calidad, creo que logra liberar a los prisioneros de guerra, no recuerdo el número preciso de ellos pues hace 15 años que no veo la peli y no tengo ninguna intención de volver a hacerlo, pero cómo decíamos, tal.

El cachondo del helicóptero que tenía que rescatarles, en la cima de una protuberancia orográfica o monte, se pira sin previo aviso y deja a Rambo y a los liberados, entre la espada y la palmera.

Capturan a Rambo y le torturan con saña y malicia, le electrocutan y le pegan sanguijuelas, cosa horrorosa bajo todo prisma. Pero de forma harto imprevista, se fuga y les pone una chupa de balas a todos los vietnamitas y a algún soviet cabrón que andaba por Afghanistán. Esos rusos son lo peor, miren a Ivan Drago.

A partir de ahí se lía la de San Quintín (CA), y la rifa de hostias termina muy igualada entre los vietnamitas, no tanto así entre Rambo y sus secuaces.

Al final todo debe de salir bien pues sinó no hubieran hecho Rambo III, infiero.

La cinematografía es un gozo, las sombras, los contraluces, los planos-sapiencia, los gráficos, el sonido, jugabilidad, todo excelente, no en vano nos hallamos ante un clásico del sector.

Al parecer, a lo largo de la peli mata a 61 personas, dos más que en el guión. Una delta probablemente desdeñable dada la tensa situación.

Premios y nominaciones:

Ganados

Peor película
Peor guión
Peor actor (Sylvester Stallone)
Peor canción original (Peace in Our Life)

Nominaciones

Peor actriz de reparto (Julia Nickson)
Peor director (George P. Cosmatos)
Peor actriz debutante (Julia Nickson)

Gracias a gerencia por dejarme debutar con tan buen pie, les emplazo a mi siguiente crítica, "Alien", cuando los administradores lo estimen conveniente.

DESAYUNO CON DIAMANTES (Breakfast at Tiffany's) by Kim

2007-06-03T21:19:00.000+01:00

Puede que después de esta crítica, pierda la poca credibilidad que me queda enfrente de los machos alfa de la manada, pero me la juego. Me la juego, porque aun habiendo oído hablar mucho de ella (mi madre gran cinéfila, siempre me habló de ella), nunca la había visto. Hará un par de meses, la alquilé y me dispuse a verla. Visioné una versión original, para quedarme con la voz de la que ya sin duda es una de mis musas, Audrey Hepburn.

Basada en una novela de Truman Capote (la reciente película sobre su vida también vale la pena), narra la historia de Holly, una chica joven, un poco"balaperdida", que aterriza en Nueva York, después de una accidentada vida familiar (no cuento nada mas, así la veis, gañanes).

A primera vista puede parecer una típica historia de amor. Chico conoce a chica y bla bla bla… Pero es más que esto. Los dos personajes, tienen una vida turbia, nada fácil, usando el amor y las relaciones de pareja, solo como vía para obtener algo. Detrás hay un drama, de dos perdidos que se encuentran, dos insatisfechos y el uno al otro, van a acabar ayudándose.

La escena final de la lluvia, llamadme, florecilla, me enterneció. Cuando decide bajarse del coche, casi me bajo yo del sofá. Me emociono con este final y con el de Terminador 2. Soy así.

Ah y la música es de uno de los maestros en esto de la música para películas, Henry Mancini y la interpretación de “Moon River” por parte de Audrey en el balcón, pone los pelos de punta.

No sé que os parecerá, o si ya la habréis visto o si pensaréis, vaya recomendación que nos da KiM, pero si la veis, estoy seguro que no os decepcionará.

Si os decepciona, es que sois unas putas rocas sin sentimientos… jisjisjis…

PS: Hasta el martes por la noche no podré ver vuestros comentarios…

RESERVOIR DOGS by Pe

2007-05-28T10:50:00.001+01:00

Qué decir de Tarantino? Que es un genio? Que es capaz de hacer una película con bajo presupuesto, pocos medios y mantenerte pegado al sillón hasta que acaba? Es violento pero al mismo tiempo divertido.

Los diálogos son para repasarlos una y otra vez, siempre hay algo que se te pasa por alto.

Ciñéndonos a esta película:

Si no fuera por los flashbacks, podría ser perfectamente una obra de teatro, la mayoría de la acción transcurre en un almacén abandonado y a través de los diálogos podemos ver como es cada uno de los personajes.

El elenco de actores, con Harvey Keitel al frente, encarnado al típico matón pero …sensible?...la escena en que peina a Tim Roth cuando está herido de muerte en el suelo, te descoloca.

Tim Roth, ensayando su historia del lavabo y la marihuana, una y otra vez para hacerla creíble, es magnífica.

Esteve Buscemi, y la primera escena hablando sobre las propinas ó cuando discute sobre el nombre que le toca adoptar ( Sr.Rosa)…sólo hay que fijarse en la expresión de su cara.

Michael Madsen(Dios, qué guapo este tío)y su “baile” mientras tortura al policía es de lo más genial que he visto nunca, menudo sádico…pero que divertido, casi estás deseando que siga torturándolo una y otra vez ( uff, esto no ha quedado muy sensible)

Chris Penn… lo de ser actorazos debe ser cosa de familia ¿no?

Tarantino se guarda un papelito para él…pero que genial esa disertación al principio de la película sobre Like a Virgin… qué hacen 7 matones comentando un canción de Madonna?

Me gusta los primeros planos que hace de todos ellos sobre todo los de Buscemi y Roth , sabe que tiene buenos actores y les saca todo el provecho.

La película es cortita 1:30 h aprox….lo ven señores directores como no hace falta hacer tostones de 3 h???...no hay espacio para aburrirse y eso que empieza por el final, al poco rato sabemos que el atraco (por cierto que no se ve ni una escena de él) ha resultado ser un completo desastre…o ¿no? hay que estar atento a las voces que se oyen desde fuera en la última escena.

ACORRALADO

2007-05-24T16:17:00.000+01:00

Aquí la teneis. Ya podeis empezar.

En fila india y por orden de llegada

2007-05-23T18:58:00.000+01:00

Para evitar aglomeraciones y acusaciones de favoritismo el orden de elección de las películas del videoblog será por orden de llegada e inscripción en este post. Así mismo, y como soy el administrador del lugar, he decidido que la primera película a comentar sea... RAMBO

Como bien apunta el sabio Dr.BE en su comentario en el post inaugural la idea surgió de un comentario del Capitán fórceps en el cineblog. Así que en su honor he decidido que ésta sea la película que inaugure el ciclo retrospectivo del videoblog.

A partir de aquí la elección será por turnos en función de vuestra llegada. Amén.

Nota aclaratoria para los puristas: cuando hablamos de RAMBO nos referimos a ACORRALADO (FIRST BLOOD)

Queda inaugurado este blog

2007-05-21T21:33:00.003+01:00

Ya podeis dejar vuestras ideas o comentarios sobre las pelis que querais.